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Joseph Beuys. http://www.dw-world.de/dw/article/0,2144,1866805,00.html.
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Joseph Beuys http://www.dw-world.de/dw/article/0,2144,1866805,00.html
La proposición de Joseph Beuys “cada hombre es un artista”, opera desde el principio de que la apertura de la experiencia estética creadora al espacio público, legitima las capacidades de mucha gente que –teniendo voluntad expresiva y sensibilidad artística- no se ven a sí mismos como artistas. En este sentido y desde vertientes contrapuestas, es donde las ideas de Beuys confluyen con las de Marcel Duchamp y el accionar de Andy Warhol, en relación con el concepto ampliado de arte. Aunque en Beuys la propuesta se fundía con una teoría antropológica de la creatividad.Por otro lado Beuys no buscaba producir objetos, “obras”, sino acciones. Estaba convencido que “todo conocimiento humano procede del arte, toda capacidad procede de la capacidad artística del ser humano, es decir, que cualquier ser humano está capacitado para ser activo creativamente”. “Por esa razón –sostiene Beuys– hay que fomentar una educación artística para el ser humano, pero no como una materia relegada al mero ámbito de las manualidades, sino emplazada estratégicamente en el centro del currículum académico, como el medio más eficaz en la reproducción de la inteligencia técnica y el desarrollo de nuevas miradas sobre las cosas, un campo para el ejercicio crítico de la configuración espacial. Que el ser humano pueda contemplar sus pensamientos como un artista a su obra”. Publicado por Eduardo Iglesias Brickles el 06/01/2009
Cómo explicar los cuadros a una liebra muerta, 1965. Galería Schmela, Düsseldorf.
Fin del arte del siglo XX, 1982. Instalación en la Bienal de Venecia 20017.000 robles, 1982. Documenta VII I likeAmerica and Americalikes me http://vodpod.com/watch/1744592-joseph-beuys-i-like-america-and-america-likes-me
7.000 robles, 1982. Documenta VII Paisajísticamente, este es un proyecto de un calibre importantísimo. Desde 1982, Kassel es la ciudad de los robles. Joseph Beuys planteó plantar estos miles de robles, cada uno junto a una columna de basalto. No se llegó a terminar ya que este murió al poco tiempo, pero sus seguidores más fieles continuaron con su obra y, hoy día, los ciudadanos de kassel están más que hechos a esta tradición. Kassel se ha convertido en un pulmón urbano, predominando el verde en cualquiera de sus rincones. La distribución regular de los árboles en sus calles y avenidas, contrasta con la espontaneidad en los jardines públicos y parcelas privadas.
El caso de Larry Poons fue muy comentado en su época, porque él sí que renunció a lo que había conseguido y emprendió un camino nuevo que no fue entendido por todo el mundo. Bajo las influencias de BarnettNewman y PietMondrian, Poons alcanzó un rápido éxito en la década de los sesenta con unos cuadros que rompían con la estética gestual de muchos de los expresionistas abstractos norteamericanos. Sus obras de entonces seguían unos caminos mucho más fríos, más racionales y menos vehementes que los de sus famosísimos antecesores. El lienzo había dejado de ser un campo de batalla y, aunque permanecía la abstracción, el control, el equilibrio y la razón mandaban en unas superficies en las que sobre unos fondos de colores mucho más puros se depositaban unos puntos que alejaban al cuadro del mundo subjetivo. Y, sin embargo, cuando todo el mundo ya había asumido esa nueva pintura y la costumbre había ya casi hecho olvidar la anterior, Larry Poons gira e introduce en los años setenta un cambio tan radical que le acarreó críticas feroces. Porque en esos años setenta parecía casi imposible que nadie aceptara que se podía volver a actitudes expresionistas y subjetivas, aunque poco más tarde esa tendencia se instaló poderosa en la escena artística de los ochenta.
Ese cambio de Larry Poons trajo consigo unos cuadros en los que predominaba el espesor, en los que la pintura era tan matérica que se mostraba casi como una corteza en la que podían contemplarse todas sus rugosidades y acanalamientos. En ella intervenía de manera importante el azar, pues el pintor construía sus cuadros arrojando cubos de pintura sobre el lienzo previamente preparado, en un gesto muy próximo a la forma de trabajar de Pollock. Cubo tras cubo la pintura se desparramaba sobre la superficie y se amontonaba produciendo formas a las que no se puede considerar del todo caprichosas. Porque Poons, además del azar que implicaba la forma de caer la pintura o la energía con la que la arrojaba, había previamente dispuesto algunos elementos sobre el lienzo que resultaban determinantes para la forma que las sucesivas capas de pintura adoptarían al final. También influía la viscosidad de las mezclas que él preparaba o el volumen del cubo que él decidía utilizar, de tal manera que junto a lo azaroso había una intervención consciente del artista, que con anterioridad había tomado algunas decisiones como consecuencia de unas ideas de las que partía. El resultado de esta nueva forma de trabajar es una obra en la que destacan sus cualidades sensibles, en la que el ojo puede penetrar por recovecos y grietas y que recuerda a los materiales arrastrados por el río. Es una obra de tal presencia material que parece querer abandonar la superficie del cuadro y enlaza con lo táctil y la escultura. Como ésta, se puede variar el punto de vista, desplazarse para comprobar los cambios que se operan. Pero también puede uno acercarse a ver los detalles que la pueblan y que se repiten, lo que ha hecho a algunos comparar el trabajo de Poons con la geometría fractal.
Alice Neel The Pregnant Woman , 1971
Alice Neel (Colwyn, Pennsylvania, 28 de enero de 1900 – 13 de octubre de 1984) fue una pintora retratistaestadounidense. Sus pinturas destacan por su uso expresionista de la línea y del color, profundidad psicológica e intensidad emocional. Aprendió en la Escuela de Dibujo de Filadelfia para Mujeres. Poco después de acabar sus estudios se casó en 1925 con el pintor cubanoCarlos Enríquez, hijo de padres pudientes. Se trasladó a La Habana al año siguiente, donde abrazó la vanguardia cubana, aunque luego regresó a los EE. UU. Tuvo una hija, Santillana, que murió de difteria poco antes de cumplir su primer año. El trauma que le causó la muerte de su hija influyó en sus pinturas, estableciendo un precedente para los temas de la maternidad, la pérdida y la ansiedad que impregnaron su obra durante el resto de su carrera. Tuvo otra hija, Elisabetta, nacida en 1928, que el padre se llevó consigo a Cuba en la primavera de 1930, quedando la pintora en los Estados Unidos. Alice Neel sufrió una crisis nerviosa. Después de un breve periodo de hospitalización, Neel tuvo una tentativa de suicidio. Fue ingresada en el Hospital General de Filadelfia, de donde salió en 1931 y regresó a casa de sus padres, marchando después a Nueva York. Allí pintó personajes locales. Su obra glorificaba la subversión y la sexualidad, representando escenascaprichosas de amantes y desnudos. A finales de 1933, fue contratada por la Works ProgressAdministration (WPA), que le dio un salario modesto. En 1939 nació su primer hijo, Richard, hijo de José Santiago, un cantante de night-club portorriqueño a quien conoció en 1935. Neel se trasladó al Harlem Hispano. Comenzó a pintar a sus vecinos, particularmente mujeres y niños. José la abandonó en 1940. El segundo hijo de Neel nació en 1941, siendo el padre el intelectual comunista Sam Brody. En esta década, Neel hizo ilustraciones para la publicación comunista, Masses & Mainstream, y siguió pintando retratos. Neel apareció en una película en 1959, cuando el director Robert Frank le pidió que apareciera junto a un joven Allen Ginsberg en su film Beatnik clásico, Pull My Daisy. Después de estar prácticamente desaparecida de las galerías durante los años cincuenta, y gran parte de los sesenta, a finales de esta década se intensificó el interés por la obra de Neel, convirtiéndose en un iconofeminista.
(Chicago, 1922-2004) Pintor estadounidense, a lo largo de su trayectoria artística realizó treinta y nueve trabajos a gran escala y cuarenta y cinco retratos de políticos famosos, como Richard Nixon, Ho Chi Minh o Francisco Franco. Realizó estudios de historia del arte y se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Chicago en 1942, de donde pasó al Instituto de Arte de Chicago para completar su formación. Durante su aprendizaje en este centro se vinculó con “Momentum”, un programa de exhibiciones desarrollado como alternativa a los anuarios del Instituto que habían sido oficialmente sancionados. Ejercio como profesor de las Universidades de Northwestern, Indiana, Temple y Rutgers. Desde sus comienzos, Golub estuvo comprometido, con la política no sólo a través de sus obras, sino como organizador y participante en diversas causas progresivas. En 1959 trasladó su residencia a París, de donde volvió en 1964, año en que estableció en Nueva York. Allí, fiel a su espíritu contestatario, perteneció durante la década de los años sesenta a numerosos grupos reivindicativos, como Artist and WritersProtestGroup, TheComitteeforArtisticFreedom, Los AngelesPeaceTower o theAngryArtsWeek. A partir de esta década y durante más de veinte años, su pintura se caracterizó por sobrevivir ajena a las corrientes principales del arte contemporáneo americano (Pop Art, Minimalismo o Neorrealismo). Cuando comenzó la Guerra de Vietnam en 1965, Golub acentuó más aún su compromiso con los asuntos sociales y, a partir del desembarco norteamericano, se mostró decididamente antibelicista, como miembro de grupos activistas contrarios al conflicto bélico. En la década posterior, siguiendo la misma tendencia, se manifestó contrario a la invasión norteamericana en Latinoamérica.
Pintor alemán nacido en Donaueschingen. Representante de la nueva vanguardia, realizó estudios de pintura, derecho y lengua francesa en Dusseldorf. Al final de la década de los setenta, se erige como el artista capaz de imponer la nueva pintura alemana en el ámbito internacional. Conocido sobre todo por su arte "matérico”, utiliza telas de gran tamaño que impregna con materiales diversos e inscripciones sobre temas que hacen referencia a la cultura y mitología alemana. Ha expuesto en la Documenta de Kassel (1977, 1982 y 1987), las Bienales de Venecia (1980) y París (1985) y en la StädtischeKunsthalle de Düsseldorf (1984), y tiene una importante colección en el Museo Guggenheim de Bilbao (1990). Preocupado de los grandes temas cosmológicos, míticos e históricos, la herencia de su maestro Josep Beuys es evidente en su obra, como lo es también la de la algunos filósofos, como Heidegger o Foucault, este último, profeta, como Kiefer mismo, de la "desaparición del hombre".
Su producción de los años setenta y ochenta gira en torno a la mitología, la historia, la religión y la simbología alemana, temas que el artista investiga profundamente y que utiliza de forma recurrente en sus obras como medio para evitar el proceso de amnesia colectiva ante las brutalidades y tragedias históricas de una Alemania desmembrada por la Segunda Guerra Mundial y en plena lucha por la restitución de su identidad como país. De esta forma, la cábala, los nibelungos, Adolf Hitler, el músico Richard Wagner o el arquitecto del nazismo, Albert Speer, son referencias comunes en su obra de este periodo que ha sido considerada un auténtico “teatro de la memoria”. Sus trabajos, en los que se fusionan la pintura, la escultura o la fotografía, mediante técnicas como el collage y el asamblage, subrayan la solemnidad y la naturaleza trascendente de su contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su significado. No es hasta comienzos de los años noventa cuando Kiefer, tras una serie de viajes por el mundo, comienza a explorar temas más universales, todavía basados en la religión, los simbolismos ocultos, los mitos y la historia, pero centrándose ahora más en el destino global del arte y de la cultura, así como en la espiritualidad y los mecanismos y misterios de la mente humana.
Let a Thousand Flowers Bloom, 2000Anselm Kiefer (German, b. 1945)Gouache, sand, ash, and charcoal on two torn-and-pasted photographs; 50 1/4 x 30 1/4 in. (127.6 x 76.8 cm)Inscribed (across top, in charcoal): let a thousand flowers bloom
The Red Sea1984-85 (240 Kb); Oil, emulsion, and shellac on photograph,, mounted on canvas, with woodcut and lead
Desde 1993 Kiefer vive y trabaja en Barjac, una pequeña villa de Francia, cerca de Avignon, donde este artista ha creado un auténtico laboratorio que le permite testar ideas y materiales y transformarlos en auténticas experiencias artísticas. Reconocido como uno de los más importantes artistas en activo, ha sido el protagonista en la últimas cuatro décadas de exposiciones de pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones en la instituciones y museos más relevantes de todo el mundo y sus trabajos forman parte de las más prestigiosas colecciones de arte públicas y privadas. “Mis obras son muy frágiles y no tan sólo en el sentido literal. Si las colocas juntas en las circunstancias equivocadas, pueden perder completamente su poder. Es por ello que lo que yo hago en Barjac es darles un espacio, quiero dar un espacio a la pintura”, señalaba el artista en una entrevista concedida a finales de 2006 a la revista ModernPainters.
Nuremberg1982 (320 Kb); Acrylic, emulsion, and straw on canvas, 280 x 380 cm (110 1/4 x 149 5/8 in)
Nacido en Kutztown (Pensilvania) en 1958, desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados de la televisión. Estudió arte en la IvySchool of Art de Pittsburgh , donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Y posteriormente continúo sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York durante 1978 y 1979, donde estuvo influenciado por Keith Sonnler y Joseph Kossuth que le animaron a formarse como artista conceptual tras la experimentacion con la forma y el color. En el verano de 1979 hace una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan. En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York. Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública. Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos. La iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando; a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. Su primera exposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York, en 1982.
El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china, los all-over de Alechinsky, Warhol y Mark Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa. El estilo de Haring refleja el ethos de la generación Pop y de la cultura callejera del East Villagede Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal. Una obra de Keith Haring en el metro de NY En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año abrió la boutique Pop Shop, en la que vendía sus productos. En 1989 creó la Fundación Keith Haring cuyo objetivo es luchar por la solución de los problemas sociales. Murió víctima del SIDA en Nueva York, el 16 de febrero de 1990.
