40PRINCIPALES

1. 40PRINCIPALES VIRGINIA RODRIGUEZ GOMEZ Didáctica de la creación plástica y visual en Educación Primaria. Turno 5

2. Índice • 20 Pintores • 10 Escultores • 5 Fotógrafos • 5 Libres (Directores de cine , arquitectos ,diseñadores gráficos , etc.)

3. PINTORES

4. SANDRO BOTTICELLI Nació en Florencia, el 1 de marzo de 1445. Fue un pintor cuatrocentistista italiano. Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la gracia , la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos. Los temas de sus obras siguen siendo fascinantes por su ambigüedad. Falleció en Florencia, el 17 de mayo de 1510.

5. “El nacimiento de Venus” El cuadro representa la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores . El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus representa , con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento. Una de las Ninfas que espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata , de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto , planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul. El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 cm de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

6. “Virgen con el niño y ángel” La inspiración inicial para la pintura vino de la famosa Madonna .Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura arqueada que enmarca las cabezas de madre e hijo y enfatiza las dos figuras principales como el centro de la escena devocional. María se sienta en un escabel, del que se muestra un brazo ornamentado y un almohadón con botones. En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo Está realizado al temple sobre tabla. Mide 87 cm de alto y 60 cm de ancho. Data de 1465-67 y se conserva en el Spedale degli Innocenti de Florencia (Italia),

7. “Virgen de la galería” Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi. Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 cm de alto y 50 cm. de ancho. Pertenece al año 1467. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia)

8. VICENT VAN GOGH Nació en Groot - Zundert, Holanda en 1853. Pintor de estilo postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera. Allí conoció las obras de Daumier y Millet, donde asistió a una academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas. Posteriormente radicado en Francia, junto a su hermano Theo quien trabajaba para una galería de arte, conoció de cerca a Degas y Pissarro . Este último influenció la coloración que Van Gogh utiliza. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin (influenciador del fovismo). La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los postimpresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.

9. OBRAS“El tejedor en el telar” En la pintura El tejedor en el telar, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, también la dignidad del personaje, aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista, intentando representar el ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo artesanal. La composición de esta pintura hace el efecto como si la figura principal, el tejedor, estuviera enmarcado por el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo. El tejedor en el telar (1884)

10. “Floración del almendro” En esta obra , Vicent van Gogh utiliza el predominio de tonos fríos , en especial de azules en el fondo de la imagen, y el color blanco en las flores para representar la vida , mientras en las ramas nos encontramos con una nueva referencia al cloisonismo de Bernard al trazar con una línea oscura los contornos. La evocación de la estampa japonesa está presente en el lienzo al resaltar el decorativismo y el empleo de temáticas florales. Floración del almendro

11. “Granja en Provenze” El paisaje rural tradicional de la Provenza francesa es protagonista de esta vista de Van Gogh realizada durante su estancia en esta región del Mediterráneo francés. Una senda conduce a una puerta metálica encuadrada entre pilares y un murete curvo emboca hacia esa entrada. Trigales y flores silvestres llenan el primer término, donde un campesino se encuentra de espaldas a nosotros realizando las labores agrícolas. Las casas de la granja aparecen detrás rodeadas por grandes amontonamientos de heno. Las pinceladas no son homogéneas, las hay grandes y densas en las amapolas y pequeñas y puntiformes en los árboles del fondo Granja en Provenze

12. PABLO PICASSO Nació en Málaga, España. Fue pintor y escultor del movimiento cubista ,que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet , Courbet ,Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo , (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura y hasta esbosos de surrealismo (pintura ecléctica). Junto a su amigo Georges Braque, lanzaron en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas Fallece el 8 de abril de 1973

13. OBRAS “El entierro de Casagemas” Esta obra está dentro del periodo azul de Picasso , que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza. Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas , cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo , cuerpo y espíritu , recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, de El Greco . Esta obra tiene un peso visual simétrico. El entierro de Casagemas (1901-1904)

14. “Guernica” En 1936 mientras estalla la guerra civil en España , Picasso pinta el horror, la muerte y la desesperación creando así, la que puede ser considerada su más grande obra. El mural resulta de tremenda actualidad al momento de la exposición convirtiéndose en un emblema de la humanidad contra la opresión. La obra se traslada después a Nueva York, a solicitud del autor, ya que no debía caer en manos de la dictadura fascista. Sólo en 1981 se traslada al Museo del Prado, donde se conserva por algún tiempo bajo una cúpula de vidrio - según decían - para que el horror de la guerra no quedara libre nuevamente. Actualmente se exhibe en el Centro de Arte Reina Sofía. Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. Es símbolo de toda protesta. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Tiene movimiento , el cuadro es dinámico. Guernica

15. “Ciencia y Caridad” Cuando PabloPicasso cumplió doce años, tuvo que reconocer que su padre que pintaba mejor que él, le regaló su caja de colores y dejó de pintar.Pero seguía teniendo ideas. Y una de ellas fue la de este cuadro, Ciencia y Caridad, que se encuentra en el Museo Picasso de Barcelona. Se trata de una obra totalmente hija de su tiempo. Tiene los contrastes de luz y sombra que ha aportado el Impresionismo francés y también la reivindicación social propia de un periodo de grandes movimientos obreros, a finales del siglo XIX. Incluso la gama cromática –malvas, lilas, blancos y marrones suaves- es la propia del Modernismo entonces reinante. Ciencia y Caridad

16. “Ciencia y caridad” Don José Ruiz , padre de Picasso, fue quien concibió este tema, porque sabía que iba a ser del agrado del jurado de la Exposición General de Bellas Artes, celebrada en 1897 en Madrid. El tema de la caridad, y también el de la miseria, tienen la virtud de conmover los corazones de los jurados, despertando su interés. Y Pablo Ruiz Picasso –así firmaba entonces- se puso manos a la obra.El mismo padre sirvió de modelo para el médico que está tomando el pulso a una enferma de aspecto lánguido y desnutrido, a punto de fallecer. Esta es la parte que se refiere a la ciencia. La caridad está representada por la monja que, con el niño futuro huérfano en brazos, ofrece a la moribunda un tazón de caldo reconfortante. El hábito se lo prestaron las Hermanas de la Caridad del barrio. La habitación es mísera, a juzgar por el aspecto avejentado de las paredes y los chorretes de la lluvia que se cuelan por la ventana.

17. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez Nació en Sevilla en 1599, España. Pintor naturalista del período Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad. Como referente para alcanzar el estilo y técnica deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste entre luz y sombra empleada por este último, característica que mantiene a lo largo de su carrera. Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años, realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y Miguel Ángel .En España fue pintor de la corte del rey Felipe IV, del cual pintó muchos retratos, cosa que también hizo con otros miembros de la familia real.El naturalismo de Velázquez es único. Su coloración a veces platinada, otras diamantinas, nos ofrece una apariencia fotográfica difícil de imitar. Sin duda la maestría de Velázquez influenció notoriamente a varias generaciones de pintores tanto españoles como extranjeros

18. OBRAS“Las meninas” Las meninas El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. La primera perspectiva es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento. La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada. Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII.

19. “Las meninas” La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.

20. “El toilette de Venus” La obra representa a la diosa Venus en una sensual pose, acostado en una cama y mirando en un espejo en poder de los romanos dios del amor físico, su hijo Cupido . La pintura se encuentra en la NationalGallery , Londres. La Venus desnuda de los pintores italianos, como Giorgionesueño de Venus (c. 1510) y de Tiziano Venus de Urbino(1538), fueron los principales antecedentes.. En esta obra, Velázquez combinado dos establecidos plantea a Venus: reclinada en un sofá o una cama, y mirando en un espejo. Ella se describe a menudo como mirándose en el espejo, aunque esto es físicamente imposible, ya que los espectadores puedan ver su rostro reflejado en su dirección. En una serie de formas en que la pintura representa un pictórica, a través de su uso central de un espejo , y porque muestra el cuerpo de Venus se alejó por el observador de la pintura . La Venus del espejo es la única superviviente femenina desnuda de Velázquez. Desnudos son sumamente raros en el arte español del siglo XVII, que fue vigilado activamente por miembros de la Inquisición española. El Toilette de Venus(1647-1651)

21. “La costurera” La realismo y la intimidad con la que Velázquez ha conseguido mostrarnos a la joven, realizada a base de manchas de luz y color, dando la impresión de que capta el movimiento de la aguja y de las manos. El colorido oscuro de verdes y pardos se rompe con las manchas blancas de la pañoleta que lleva la mujer sobre los hombros y con la tela que cose. En la zona de la izquierda se aprecia el retoque del brazo derecho de la costurera, demostrando así que Velázquez pintababa directamente sobre el lienzo, sin apenas realizar estudios preparatorios. La nota de color rojo en el moño y el fogonazo de luz del pecho sitúan esta imagen entre las más sugerentes del pintor.

22. LEONARDO DA VINCI Nació en Anchiano, Toscana, Italia en 1452. Arquitecto, inventor, y pintor del alto renacimiento italiano. A los 5 años se mudó con el padre al pueblo de Vinci y luego a los 15 a Florencia donde ingresó al estudio de un gran artista escultor de la época: Andrea del Verrocchio, maestro del cual recibió la influencia más importante. Allí trabajó junto a Botticelli , el Perugino y otros famosos.En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como nadie lo hiciera antes.En 1503, un mercader florentino llamado Francesco del Giocondo, encargó a Leonardo el retrato de su tercera esposa de 24 años de edad: Lisa di NoldoGherardini. Esta obra hoy la conocemos como "La Gioconda" o "Mona Lisa" y es la obra pictórica más conocida de todos los tiempos.

23. OBRAS“La Mona Lisa” El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde en francés o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés , y se exhibe en el Museo del Louvre de París. Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm , pintado entre 1503 y 1506 ,y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente. La Mona Lisa (1503-1506)

24. “La última cena” La Última Cena es una pintura mural original de Leonardo da Vinci, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María delleGrazie en Milán(Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. Ultima Cena (1495 y 1497)

25. “San Juan Bautista” Representa a Juan el Bautista en la soledad del desierto. Está representado de medio cuerpo, una variación sobre el tema de la figura construida clásica y monumentalmente en el espacio en directa sugestión de los modelos de la estatuaria antigua.San Juan viste pieles, tiene largo pelo rizado. Sostiene una cruz de junco en su mano izquierda mientras que la derecha apunta hacia el cielo. La figura está envuelta en una mórbida sombra. Mientras que el tronco tiene una cierta solidez y fuerza, el rostro y la expresión tienen una delicadeza y misteriosa suavidad que parecen contradecir la personalidad de Juan, el intransigente y abstemio predicador en el desierto, como lo describe la Biblia. Puede ser que haya escogido retratar al santo en el momento de bautizar a Jesucristo, el momento en el que el Espíritu Santo desciende sobre Jesús en forma de paloma. La expresión del rostro, lánguida y ambigua, es típica de las últimas obras de Leonardo. La mirada es estrábica, pues muestra la embriaguez de amor (Baco); el índice señala hacia el cielo, pues el Amor solo se completa en Dios, según enseña Platón. El gesto de señalar al cielo sugiere la importancia de la salvación a través del bautismo que san Juan representa. San Juan Bautista (1508-1513) Está pintado al óleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y 57 cm. de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de París (Francia).

26. TIZIANO VECELLIO (TITIAN) Nació en Pieve de Cádore, Italia en 1485. Pintor renacentista, maestro de maestros, considerado como la expresión máxima de la pintura veneciana. Retratista sólo comparable con Rembrandt y Velázquez, también destacó por sus paisajes, fue alumno de Giorgione, exaltó el arte pictórico de su generación y creó un nuevo lenguaje de expresión que se aprecia al observar las pocas telas al óleo y frescos, reconocidos como legítimos, que de él se conservan. Entre sus pupilos destaca El Tintoretto . Después de la aparición de Tiziano ,ningún otro artista clásico relacionado con la pintura a quedado excento de su influencia. Magnífico en el tratamiento de la luz, el espacio y la armonía de colores, mantiene la admiración de los entendidos hasta el día de hoy. A diferencia de los pintores florentinos y romanos de la época, especialistas en frescos, que para realizarlos primeramente transferían el diseño esquemático a los muros, Tiziano y sus seguidores trabajaban con óleo sobre tela. Dibujaban rápidamente un bosquejo sobre el textil y luego aplicaban la coloración al aceite directamente sobre la rugosidad del lienzo, consiguiendo de esta manera matices desconocidos hasta ese entonces. Algo que caracteriza estas obras venecianas es que se pueden observar tanto de lejos como de cerca, sin que evidencien variaciones de calidad . Falleció en 1576.

27. OBRAS“Venus de Urbino” Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia Venus de Urbino inspirada en la Venus dormida de Giorgione , que a diferencia de ésta, la de Tiziano está recostada, no en la naturaleza, sino en un elegante interior. Desde 1963 , se mantiene la hipótesis de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga. La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II dellaRovere, entonces hijo del duque de Urbino , representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido Venus de Urbino(1538)

28. “Carlos V a caballo en Mühlberg” Carlos V a caballo en Mühlberg es el retrato iconográfico por excelencia. Representa al emperador como príncipe cristiano, vencedor del protestantismo y como símbolo de la hegemonía de los Austria sobre Europa (Se encuentra actualmente en el Museo del Prado) Carlos V a caballo en Mühlberg (1548)

29. “La asunción de la virgen” En 1518 Titian completó, para el altar mayor de la Basílica de Santa María Gloriosa deiFrari en Venecia, la Asunción de la Virgen , que aún permanece allí. Esta extraordinaria pieza del colorismo, realizada en una gran escala cromática raramente usada en Italia anteriormente, causó sensación en su época. La estructura pictórica de la Asunción de la Virgen, que unificaba en la misma composición dos o tres escenas superpuestas en diferentes niveles, cielo y tierra, lo infinito y lo temporal, fue continuada en otras obras. La Asunción de la Virgen de Santa María deiFrari , cuya dinámica composición triangular y viveza de colores lo convirtió en el más clásico de los pintores fuera de Roma. La asunción de la virgen (1518)

30. DALÍ DOMENECH, SALVADOR Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, en 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). Se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método "paranoico-crítico", inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico.La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.. Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres. Salvador Dalí(1904-1989)

31. OBRAS“La persistencia de la memoria” La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad . La persistencia de la memoria (1931)

32. “El hombre invisible” En el cuadro de Dalí, se puede ver una persona sentada, de proporciones gigantescas y prolongadas. La cabeza se forma con sombras y relieves de construcciones y esculturas. Las nubes simulan el pelo y dos esferas azules, los ojos. El brazo derecho está formado por la espalda de la estatua de una mujer con un cuello desproporcionado. El brazo izquierdo está formado por una columna y se delimita con el edificio negro que hay en primer plano. Esta estructura tiene dos esculturas de mujeres diseccionadas y de distintos colores. En medio en la parte inferior hay una especie de maniquí, tiene una larga cabellera que asciende y se bifurca en su punta, definiendo así las manos del gigante. Las piernas están formadas por una cascada y una sección del suelo del mismo color azul. Delante del maniquí hay un león dorado. Hay otros elementos surrealistas del cuadro que sólo son ornamentales. A la derecha hay, un conjunto de esculturas satíricas: tres hombres y tres niños .A la izquierda se halla una pilastra sobre la cual, hay una escultura de un perfil de mujer. Más atrás hay una plataforma y, sobre esta, un caballo blanco. Finalmente, sobre la mano derecha del gigante hay una forma simétrica y extraña la cual parece estar diseccionada El hombre invisible (1929-1933)

33. “Cruzifixión” Crucifixión (Corpus Hypercubus ) fue pintado en 1954 por Salvador Dalí , y representa el crucificado Jesús en la red de un hipercubo . Gala (Dalí esposa), es la figura en la parte inferior izquierda, que está mirando a Jesús crucificado. La escena se representa frente a la bahía de Port Lligat . La pintura se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, EE.UU. Está pintada en óleo sobre lienzo. Cruzifixion (1954)

34. DoménikasTheotokópoulos , “El Greco” Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. Nació en 1541 en Candía, Creta y pintó en un estilo bizantino tardío. Recibió una gran influencia de dos de los grandes maestros del renacimiento . Asimilando el colorido de Tiziano, y la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, de Tintoretto. La influencia de la obra de MichelangeloBuonarroti es evidente en su Piedad (1572). El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones.Su visión personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística. El Greco gozó de una excelente posición en Toledo, donde recibió a miembros de la nobleza y de la elite intelectual, como los poetas Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos pintóncia incluyen vistas de edificios renacentistas. Murió en Toledo el 7 de abril de 1614.

35. OBRAS“La Trinidad” Este óleo sobre tela mide 300 centímetros de alto y 179 cm de ancho, siendo uno de los nueve lienzos que realizó para el monasterio de Santo Domingo de Silos (el Antiguo) , en Toledo . Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid , España .Se representa la escena en la que Dios Padre sostiene el cuerpo de su hijo Jesucristo muerto. Sobre ellos el Espíritu Santo representado en forma de paloma . Alrededor de estas tres personas de la Trinidad , aparecen ángeles en diversas posturas, algunos de ellos con expresiones dramáticas en los rostros.El Greco evidencia aquí influencias de Miguel Ángel (en el modelado de la anatomía de las figuras) y también de Tintoretto (en el cromatismo ). Predominan los tonos fríos (malva, azul, verde), con aislados toques cálidos que aportan vitalidad a la escena. La composición es muy original y presenta forma de corazón, dentro de la cual se desarrolla toda la acción del cuadro y de la que sólo queda fuera la paloma representante del Espíritu Santo . El centro del cuadro está dominado por el monumental cuerpo de Cristo, representado según las proporciones tradicionales y alejado de la estilización de las figuras que dominan en obras posteriores de El Greco . Es evidente el espíritu innovador manierista, reflejado en la serpenteante línea formada por la posición del cuerpo de Cristo y Dios Padre, así como por las irreverentes y exageradas reacciones de los ángeles. La Trinidad (1577-1580)

36. “El entierro del Conde de Orgaz” El entierro del conde de Orgaz (, óleo sobre lienzo, 480 × 360 cm, Santo Tomé, Toledo), la obra más conocida de El Greco. Ilustra una leyenda local según la cual el conde fue enterrado por san Esteban y san Agustín. En la parte inferior, realista, recreó un entierro con toda la pompa del siglo XVI; en la superior, idealizada, representó la Gloria y la llegada del alma del conde. El entierro del conde de Orgaz (1586-1588)

37. El Martirio de San Sebastián El martirio de San Sebastián es una de las obras más realistas pero desconocidas de El Greco a pesar de tener una excelente calidad pictórica y gran realismo. Actualmente se conserva en la antesala de la Catedral de Palencia , y es la obra cumbre de su museo catedralicio. Se trata de una pintura de su primera etapa española ,no presenta la deformación típica ni el colorido tan exuberante de etapas posteriores. El lienzo, de gran tamaño, muestra a San Sebastián con un gran realismo, atado a un árbol y semidesnudo con una flecha en el costado. Este cuadro no presenta la deformación típica de El Greco pero sí tiene un cuerpo muy grande y fuerte lo que le proporciona un aspecto característico. La postura de San Sebastián, con una pierna muy flexionada sobre una roca y la otra tocando la piedra y apoyada en el suelo, fuerza una intención de contrapposto que le permite al artista marcar la musculatura del tronco, al igual que la de su brazo derecho, atado a la espalda. El otro brazo se encuentra extendido hacia el vértice superior derecho atado a un árbol y con la mano caída, lo que acentúa la sensación de debilidad ante el martirio. El Martirio de San Sebastián (1577-1578)

38. El tronco y la cabeza se encuentran levemente inclinados hacia la izquierda, en contraposición a la inclinación de su pierna derecha. Estos dos miembros se disponen como rectas, y ambas "rectas" parecen juntarse en la flecha, audaz recurso de El Greco que hace destacar la parte más importante, ya que la mirada se nos desvía hacia la flecha que quita la vida al Santo. El fondo se presenta sencillo, con un cielo gris y azul muy osuro y algunos árboles de tonalidades pardas y verdes que evitan que la atención se desvíe de la escena principal. El suelo es pardo y la roca sobre la que se apoya San Sebastián, que posee interesantes brillos, lleva inscrita la firma del autor. La gama cromática se presenta más reducida que lo habitual en El Greco, pero de notable riqueza, entre la que destacan los grises y pardos. El tratamiento de la luz del lienzo es interesante y el foco es cenital pero suave, como si de una luz divina se tratase. El santo está resuelto con pinceladas gruesas y espesas, al contrario del fondo, que las tiene más finas y sueltas. A pesar de su calidad, este óleo es muy desconocido; de hecho, antes de la magna exposición de "Las Edades del Hombre " que visitó la ciudad en 1999 con el nombre de "Memorias y esplendores", este cuadro era desconocido hasta por los propios palentinos. La obra, de la primera etapa del artista cretense en España, es autógrafa y no ha tenido apenas intervenciones. Fue restaurada y limpiada con motivo de la exposición antológica de El Greco que se exhibió en Madrid, New York y Tokio.

39. JOAN MIRÓ I FERRÁ Joan Miró(1893-1983) Joan Miró i Ferrà fue pintor , escultor , grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920 . A partir de su estancia en París , su obra se vuelve más onírica , coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930 , Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró , ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York.

40. OBRAS“Carnaval de Arlequín” La pintura quizás más interesante de este periodo es Carnaval de Arlequín(1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinturesurréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico , Paul Klee , ManRay , Pablo Picasso y Max Ernst . Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son los personajes principales de la composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcen por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Compuso Miró un pequeño texto poético en 1938 sobre este cuadro: "En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas..." Actualmente se encuentra en la colección de Allbright-Knox Art Gallery en Buffalo, (Estados Unidos). Carnaval de Arlequín (1925)

41. “Personaje delante del sol” Personaje delante del sol es un ejemplo de la gestualidad controlada que caracteriza las pinturas de Miró a finales de los años sesenta. Una libertad expresiva sin precedentes tan claros en su producción, pero de un rigor compositivo indiscutible. El artista parte del color negro, con el que dibuja y estructura el cuadro. La incorporación de los otros colores tiene presente las divisiones y las zonas libres. A pesar de su espontaneidad, Miró no olvida la composición: la supresión de un elemento cualquiera provocaría el desequilibrio de todo el conjunto. Por cantidad debemos señalar que el gris del fondo es el color dominante de la obra, el negro es subordinado y el amarillo el acento, al igual que el rojo. Pero el rojo tiende a expandirse, por eso puede dar la sensación de ser el dominante. El negro atrae nuestra mirada, pero debido a su extensión, sería el subordinado, y el amarillo, al contrarrestar con él, constituiría el acento. Personaje delante del sol (1968)

42. “La Masia” Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra, se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Mont-roig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo[11] La Masia (1921-1922)

43. GIOTTO DI BONDONE Giotto di Bondone, mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano, 1267 – Florencia , 8 de enero de 1337) fue un notable pintor , escultor y arquitecto italiano del Trecento . Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.

44. OBRAS“Lamentación sobre cristo muerto” Lamentación sobre Cristo muerto es una escena obra del pintor italiano Giotto . Está realizado al fresco , situada prácticamente en el centro de la pared izquierda de la Capilla de los Scrovegni de Padua . En este cuadro se ve a Jesucristo , descendido de la cruz, rodeado por las mujeres y los apóstoles. Están juntos los rostros de Cristo muerto y de su madre María , quebrada por el dolor, que mira intensamente el cadáver de su hijo. Las demás figuras expresan su dolor, cada una a su manera: unas se muestran dobladas sobre sí mismas del dolor, otras hacen gestos. Así, san Juan aparece con los brazos abiertos, mientras que María Magdalena , sentada en el suelo, coge con afecto los pies del muerto. Incluso los diez ángeles que aparecen en el cielo, en escorzo, se unen a estas diversas manifestaciones de la desesperación: lloran, se mesan los cabellos o se cubren el rostro.

45. “El beso de Judas” En El Beso de Judas, Giotto organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central, donde se encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya que a través de la expresión facial de los personajes expresa la emoción humana.

46. “La adoración de los Reyes Magos” Uno de los frescos de la Capilla de la Arena es la "Adoración de los Reyes Magos", que se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén , la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva que todos tenemos acerca de este episodio bíblico. Giotto vio el cometa Halley en su aparición de 1301 en el cielo italiano, y es muy probable que este objeto astronómico haya sido el modelo para la sobrenatural estrella de su "Adoración". Lo que Giotto no tenía forma de saber es que el cometa Halley, con su período de entre 76,5 y 79,3 años, apareció en 11 o 10 a. C., es decir, entre 4 y 7 años antes del nacimiento de Cristo. No puede asegurarse que el Halley haya inspirado el episodio de la Estrella de Belén, pero sí resulta interesante que casi con certeza, tanto la estrella del relato bíblico como la pintada por el maestro florentino sean el mismo cometa en dos apariciones separadas por trece siglos La adoración de los Reyes Magos

47. Henri ÉmileBenoitMatisse Henri ÉmileBenoîtMatisse fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo . Como dibujante, grabador , escultor , pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno . En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne , pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve : supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía.

48. OBRAS“Raya Verde” La Raya Verde o también conocido como la Madame Matisse , aparece tocada con un elegante sombrero, girada en tres cuartos y dirigiendo su profunda mirada hacia el espectador. El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo. Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color, siguiendo a Cèzanne. En el rostro de la dama apreciamos toques de color lila, verde, azul o amarillo. El resultado es una obra cargada de elegancia e intensidad, en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que identifica el estilo fauvista, y especialmente de Matisse. En su cara traza una bisectriz de color verde dividiendo el cuadro en dos mitades. Su lado derecho repite el color verde que la divide, mientras que el izquierdo repite los tonos de su vestido. Esta Línea actúa como una sombra divisora artificial formando un lado más claro y otro mas oscuro, en términos cromáticos un lado mas fresco y uno mas caliente. La Luz natural esta dirigida directo a los colores y las gruesas pinceladas le dan una imagen dramática. Raya verde (1905)

49. “La danza” La Danza es un cuadro de Henri Matisse expuesto en el Museo del Hermitage de San Petersburgo , Rusia . Está pintado al óleo sobre lienzo y mide 260 cm de alto por 389 cm de ancho. Se representa en esta obra a un grupo de cinco personas, de ambos sexos, que bailan en círculo, dándose la mano. Están desnudos , tema artístico que interesó a Matisse durante toda su vida. Refleja la incipiente fascinación de Matisse con el arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el frío verde azulado del fondo y la rítmica sucesión de desnudos danzantes transmiten los sentimientos de liberación emocional y hedonismo . A este colorido se le ha dado una interpretación simbólica : los cuerpos de pintan de rojo y simbolizan la vida , el azul es obviamente el cielo y el verde la naturaleza . También logra un movimiento extraordinario. La danza (1910)

50. “Naturaleza muerta con berenjenas” Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como Naturaleza muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano. En esta pintura hay una armonía de colores.