Géneros en el arte iv

1. Géneros en el arte iv Mgt. Enrique León Maristany

2. Cronología DE LAPINTURA OCCIDENTAL 1400 1425 1450 1475 1500 1525 1550 1575 1600 1625 1650 1675 1700 RENACIMIENTO PRERENACIMIENTO MANIERISMO BARROCO PAISES BAJOS 1725 1750 1775 1800 1825 1850 1875 1900 1925 1950 1975 2000 ROCOCÓ MINIMALISMO NEOCLASISISMO REALISMO IMPRESIONISMO POST – IMPRESIONISMO MOVIMIENTO POST MODERNO ROMANTICISMO REALISMO SIGLO XX CUBISMO FUTURISMO GRAN BRETAÑA DADAISMO SURREALISMO POP ART ARTE ABSTRACTO Newall Diana (2010) Apreciar el arte. Art Blume, Barcelona.Pág. 14-19

3. Géneros EN EL ARTE • El desnudo • El retrato • La pintura religiosa • Mitos y Alegorías • Temática Histórica • La naturaleza muerta • El paisaje • La pintura de género • Arte Contemporáneo

4. «La pintura tiene su propia vida. Yo solo intento dejar que aflore». JACKSON POLLOCK ( 1912-1958). ARTE CONTEMPORÁNEO

5. DE 1900 A NUESTROS DÍAS Perspectiva Focal En el pasado, desde la época clásica, la pintura de una superficie bidimensional tenía por objeto la representación de figuras y objetos del mundo real. El grado de naturalismo aumentó con los siglos, y la limitación de la realidad tridimensional llegó a su máxima expresión con el descubrimiento de la perspectiva focal y el empleo del trampantojo, pero lo que se intentaba representar casi siempre resultaba evidente. Trampantojo

6. DE 1900 A NUESTROS DÍAS Naturaleza Muerta A finales del siglo XIX. Paul Cezanne desafió este naturalismo al explorar las superficies, los colores y las texturas de los objetos, y dejar que su apariencia quedara en un segundo plano. Esto condujo a una total revisión de los valores estéticos y del concepto de la pintura en si misma. Todo ello vino, además, acompañando por una conciencia cada vez mayor de los artificios de las representaciones tradicionales. Pintura de Género Paisaje Cezanne

7. Teorías del arte en el siglo Xx El siglo XX conoció el desarrollo de una gran número de teorías en torno a la pintura y su interpretación. Muchas de ellas trataban cuestiones relativas al modo en que se han de valorar las cualidades artísticas de una obra de arte. En los siglos anteriores, las academias habían establecido un sistema para determinar el valor artístico (y económico) del arte. Pero una vez desacreditado este sistema, los teóricos empezaron buscar nuevos criterios y métodos para medir el valor estético y en particular el de las obras pictóricas. Los jardines de Luxemburgo Samuel John Peploe (1923) El Escocés Peploe recurrió a las innovaciones francesas En especial a las de EdouardManet y Paul Cézanne.. La fragmentación de la imagen, los grandes constrastes y el empleo de colores brillantes son típicos de su obra.

8. La imagen bidimensional Los grupos de artistas de la segunda década del siglo XX crearon imágenes decorativas y visualmente estimulantes que se centraran en la relación entre los colores, las líneas y las formas. Algunos como Vassilly Kandinsky, trabajan en diferentes grupos. Entre 1907 y 1914. Pablo Ruiz Picasso y GerogesBraque desarrollaron los principios del cubismo. HACIA LA ABSTRACCIÓN Las señoritas de Aviñon (1907) Pablo Ruiz Picasso Picasso Exploró la construcción de las imágenes desde distintas perspectivas…

9. La imagen bidimensional • Picasso Exploró la construcción de las imágenes desde distintas perspectivas. Los rostros angulares remitían a las formas geométricas y estilizadas de las máscaras africanas. El suave rosa de la piel y el azul de las ropas perfilan las figuras, enfatizando y ocultando su desnudez a un mismo tiempo. HACIA LA ABSTRACCIÓN Las señoritas de Aviñon (1907) Pablo Ruiz Picasso

10. Los artistas anteriores a la primera guerra mundial desafiaron las ideas pictóricas tradicionales y exploraron los colores y las formas de los objetos pintados. En énfasis en el color, el tono y la forma centró la atención en la superficie bidimensional del lienzo, al mismo tiempo que se abandonaban los últimos vestigios de naturalismo. SABER APRECIAR La calle ante la cas1911 Umberto Boccioni

11. La culminación del arte abstracto En ocasiones se ha atribuido a Vassilly Kandinsky la creación de la primera pintura abstracta en 1910. Éste afirmó que estaba escuchando música cuando empezó a ver colores, y éstos influyeron en las relaciones estéticas, las formas y la yuxtaposición de los colores en el cuadro que estaba pintando. En sus primeras composiciones abstractas aparecen formas geométricas y procedentes de la naturaleza que se movían por el lienzo con una intensidad rítmica. Conducidas por su sentido interno del color, sus pinturas abstractas pasaron por diversas etapas. Composición VII (1913) VASSILY KANDINSKY Kandinsky afirmaba que esta era su obra más compleja debido a la multiplicidad de formas y a las relaciones entre ellas. Cuando la mirada del espectador se mueve hacia delante y hacia atrás, algunas veces combinándose y otras contrastando entre si.

12. La pintura abstracta desarrollada a partir del rechazo de las formas figurativas se centraba en las relaciones entre color y línea, aunque también se le asociaba con los principios del diseño y de la arquitectura modernos. En Nueva York, después de 1945, la abstracción se utilizó como medio de expresión personal y para reivindicar la creciente autonomía cultural de Estados Unidos. SABER APRECIAR Red bridge Paul Klee

13. Un nuevo concepto de arte En 1915, Marcel Duchamp exhibió una rueda de bicicleta montada encima de un taburete en una exposición independiente. Mas tarde dio nombre a algunos objetos, entre ellos un orinal denominado fuente [1917] y un portabotellas[1914], «readymades». El término indicaba su rechazo a las limitaciones del concepto de arte y las ideas preconcebidas sobre lo pictórico. La innovación de Duchamp allanó el camino hacia la práctica de un arte subversivo y basado en el objeto.

14. El dadaísmo y el surrealismo discurrían en paralelo a la actividad de los artistas abstractos durante la primera mitad del siglo XX. En sus obras exploraron lo irracional y subvirtieron las ideas convencionales de representación como respuesta a las agitaciones sociales y políticas del período. SABER APRECIAR La condición humana II 1935 René Magritte Las imágenes de Magritte crean ilusiones ópticas y exploran la percepción humana y la conciencia. Magritte se dedicó a crear imágenes engañosa y a mostrar las trampas de la percepción humana. ¿Qué es real y qué es ilusión? ¿Podemos decir cual es la diferencia ? Una pintura dentro de otra pintura plantea estos desafíos.

15. El nuevo realismo – arte con mensaje A pesar que muchos artistas siguieron el camino hacia la abstracción, el arte figurativo continuó practicándose. Los regímenes totalitarios de Stalin y Hitler lo utilizaron como propaganda de estado, pero otros artistas lo emplearon para expresar cuestiones sociales y denunciar la pobreza y la marginación. Artistas de toda Europa y Estados Unidos plasmaron las consecuencias de la depresión económica y de la inestabilidad social durante el período de entreguerras. Desnudo. Gerardo Sacristán. 1930

16. El poder de la pintura figurativa para comunicar un ideal o captar una realidad se empleó a mediados del siglo XX en una amplia gama de contextos. Por un lado, fue muy utilizado para la propaganda de estado, aunque en otros casos los artistas la empleaban para denunciar problemas sociales o realizar una crítica del sistema. SABER APRECIAR Vladimir Lenin – 1930 Isaac Brodsky Lenin fue retratado con un detalle casi fotográfico en a escuela donde se gestaron los planes para la Revolución. - La silla vacía aguardando el retorno de Marx o Stalin - , el periódico abierto, la concentración de Lenin y el escenario austero sugieren que nos hallamos ante un acontecimiento real.

17. La sociedad de consumo – el pop art La reacción contra el dominio del expresionismo abstracto se materializó en el movimiento conocido como POP ART. En la década de 1960, los artistas estadounidenses y británicos rechazaron los principios según los cuales el arte debían expresar lo más profundo del alma del artista, y se mostraron a favor de una iconografía más abierta e «impersonal». Las creaciones del Pop Art parodiaban, adoptaban y capitalizaban los símbolos del consumismo, el éxito y la fama, así como la cultura de masas.

18. El pop art se puede ver como el primer y más radical movimiento que se apartó del arte moderno de Greenberg, que sentó las bases del movimiento posmoderno. Su relación simbólica con la cultura de la década de 1960 lo convierte en uno de los primeros movimientos que exploró y explotó el papel del artista como creador de imágenes de la sociedad. SABER APRECIAR

19. Hacia un arte antiestético El minimalismo fue uno de los primeros movimientos de vanguardia que reaccionó contra los principios del arte moderno de la década de 1960. Entre sus principales preocupaciones se encontraba la posibilidad de huir del carácter pictórico y expresivo que se asocia a la pintura. Frank Stella (Massachusetts, EEUU 1936) Gray Scramble VI (Double), 1968.

20. Hacia un arte antiestético No hubo acuerdo sobre cómo llamar a este movimiento, e incluso se puso en duda que tuviera suficiente cohesión como para considerarlo un movimiento. Al principio se le llamó arte ABC y arte del rechazo, mientras que el término minimalismo se aplicó con posterioridad. Harran II , 1967 - Frank Stella

21. El minimalismo se puede entender como rechazo a los principios del arte moderno, y utiliza los objetos y las formas para crear una experiencia estética. Los artistas buscan formas impersonales y no expresivas con las que el espectador pueda relacionarse y explorarlas desde muchas perspectivas. SABER APRECIAR Jo Baer -- M. Refractarius 1974 – Oleo sobre lienzo - 106.7 x 152.5 x 10

22. Después del arte moderno El concepto de arte posmoderno fue acuñado por primera vez en la década de 1970, cuando los teóricos del arte se dieron cuenta de que la época del arte moderno había pasado. Sin embargo, este nombre se ha utilizado para aludir a fenómenos muy distintos, por lo que el uso del término resulta problemático. POP -- Posmoderno El Museo de Arte de la vieja capital israelí sorprende estos días a sus visitantes con la grotesca modernidad de David LaChapelle, un fotógrafo que recrea la Historia del Arte con la cuidadosa puesta en escena de cuerpos lipoesculpidos. La amplia retrospectiva aborda un itinerario de tres décadas en el que la excentricidad se pone al servicio de un dramatismo mesiánico que ya resulta inconfundible.

23. Después del arte moderno Moderno viene del latín modo, que significa «en el momento actual», de manera que posmoderno significaría algo tan extraño como «después de ahora». Se suele ubicar su origen en la década de 1970, pero también a partir de Duchamp. Marcel Duchamp. Why Not Sneeze Rose Sélavy?. 1921/64. Readymade: 152 marble cubes in the form of sugar cubes with thermometer and cuttlefishbone in a birdcage. 12.4 x 22.2 x 16.2 cm. Private collection.

24. El arte posmoderno introdujo cuestiones diversas y complejas en el arte y la pintura. La pluralidad condujo a un nuevo resurgir de la pintura, a la que los artistas proporcionaron nuevas formas. No había reglas ni límites que restringieran las obras, y, además de pintura, se utilizaron otros materiales sobre el lienzo. Chris Ofili empleó excrementos de elefante en algunas de sus obras. SABER APRECIAR

25. Nuevos horizontes Los acontecimientos del 11 de setiembre de 2001 cambiaron el mundo, aunque su impacto en el arte aún se halla, quizás en las primera fases. Quizá sean más interesantes, sin embargo las metas y los ideales del pos-colonialismo. Alejadas de la problemática social actual, las preocupaciones del arte occidental se han visto relegadas a un segundo plano, mientras que los artistas no occidentales, con su propia visión del mundo y sus particularidades, cobran cada vez mayor popularidad. Peter Kennard es un artista visionario y radical, que desafía las estructuras de poder en sus obras. Es el artista que volvió el arte un asunto político.

26. El Siglo XXI ha traído nuevas ideas y horizontes al arte. Hoy, la pintura continúa siendo un medio de expresión importante, pero las perspectivas cambiantes del arte en un mundo globalizado plantearán nuevos desafíos en el futuro. SABER APRECIAR Paz en la tierra Peter Kennard Anish Kapoor – Nacimiento 1954 - Bombay - Nacionalidad: indio - Ocupación: escultor Es uno de los escultores indios más influyentes de su generación.

27. El futuro de la pintura En 2006, la ganadora del premio Turner de Londres fue Tommaabts, en cuyas obras abstractas utilizaba la textura de la pintura y la superficie para crear la ilusión de formas tridimensionales y relaciones espaciales. Hubo pocas obras en «documenta 12» que consistieran únicamente en pintura sobre el lienzo, pero un gran número de ellas incorporaba la pintura de diversas formas. En cambio la exposición anual de verano de 2007 de la Royal Academy de Londres mostró una amplia gama de pinturas con estilos que iban desde la abstracción hasta el realismo político. El lienzo continúa siendo, pues, un medio fundamental para la expresión de las preocupaciones personales y sociales.