CUERPO

1. Las imágenes incluidas en este material tienen un propósito estrictamente didáctico. Esta presentación contiene animaciones configuradas en el programa Power Point versión Office 2003. Se recomienda visualizarlo con dicha versión.

2. e EL s c CUERPO u HUMANO l t u EN LA r a Bloque 4. 2° grado

3. Cabeza de Oba, ca. 1550, bronce, Col. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York LENGUAJE ESCULTÓRICO La escultura fue realizada en bronce y sus dimensiones se corresponden con el tamaño natural. Presenta un juego interesante de luces y sombras a través del contraste entre la textura lisa del rostro y la intrincada superficie de la cabellera y el collar, elementos que fueron tratados con mucho detalle. La depresión de los ojos llama la atención por su mayor abstracción, quizás allí existieron incrustaciones de piedras para enfatizar el realismo. REPRESENTACIÓN Se trata de la cabeza de un oba o rey del reino Benin de Nigeria. Es una representación naturalista pero no se trata de retratos sino una imagen idealizada del rey, a quien se le muestra no con la apariencia que tuvo al morir, sino en su edad juvenil. Estas figuras que eran realizadas para rendir homenaje a los reyes muertos siempre representan la cabeza. El adorno de la cabellera, así como el collar hacen referencia al coral, que simboliza un reino marino ancestral. CONTEXTO Los líderes del reino de Benin, en Nigeria, remontan sus orígenes a una dinastía fundada en el siglo XIV. El título de oba o rey se pasa al hijo primogénito de cada rey cuando este muere. Entre las primeras obligaciones de cada nuevo rey se encuentra la de honrar a su padre con un retrato fundido en bronce que es colocado en un altar dentro del palacio. Este altar juega un lugar importante en el ritual palaciego y se entiende como la manera de incorporar la influencia de los últimos reyes en el nuevo gobierno. El bronce se obtenía a través del comercio costero entre este pueblo y Europa. REALEZA DE BRONCE

4. Auguste Rodin, Cupido y Psique, 1905, mármol, Col. Museo del Hermitage, San Petersburgo LENGUAJE ESCULTÓRICO Rodin fue un artista que destacó por su alejamiento del neoclasicismo que imperaba en la escultura de su época. Este artista dejaba parte de la escultura sin concluir, actitud que resultó revolucionaria, pues ponía en evidencia la artificialidad del trabajo artístico y lo revaloraba al dejar huellas de su proceso. Sus obras partían de figuras modeladas en arcilla y la huella de este trabajo directo con las manos quedaba plasmado en la obra final, a través de surcos y repliegues, aún en el mármol o bronce, aportando con ello juegos de luces y sombras. Otro aspecto importante en su obra es el vacío como contraparte de la masa, y el diseño de la obra desde varios puntos de vista, así el espacio circundante se vuelve un elemento fundamental. REPRESENTACIÓN Estos cuerpos entrelazados representan a una pareja de amantes, a los que Rodin relacionó con un antiguo mito griego, el amor de Cupido y Psique. El modelado de los cuerpos es poco detallado, pues su anatomía está apenas sugerida. Las figuras parecen emerger del bloque de mármol de manera un tanto caótica, confundidas en una masa de formas imprecisas. El contraste lumínico queda enfatizado por la vitalidad de las extremidades inferiores, mientras que la parte superior presenta mayor languidez. CONTEXTO Auguste Rodin nació en París en 1840, fue contemporáneo y amigo de los pintores impresionistas como Edgard Degas, y tan trasgresor como ellos. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas lo que le valió el desprecio de los escultores que separaban las bellas artes de lo que hoy llamamos artes aplicadas. Lo innovador de su lenguaje le valió gran aprecio entre los jóvenes artistas del siglo XX que encontraron inspiración en sus obras. LUZ Y CAOS

5. George Segal, Rock and Roll Combo, 1964, figuras hechas de vendas mojadas en yeso elástico, con guitarra eléctrica, batería y base de madera, Col. Museo de Arte Moderno, Frankfurt REPRESENTACIÓN La escultura de George Segal presenta figuras humanas de tamaño natural, una especie de facsímiles humanos, ubicadas en espacios cotidianos de la clase media estadounidense y acompañadas por objetos reales con los que se crea una especie de ambientación. En Rock and Roll combo observamos un conjunto escultórico con una mujer desnuda, cuya pose recuerda los movimientos de los bailes juveniles de los años sesenta, acompañada de dos músicos, un hombre de pie tocando la guitarra y otro sentado ejecutando la batería, los instrumentos musicales son objetos reales. LENGUAJE ESCULTÓRICO Las obras de Segal suelen ser combinar objetos cotidianos y esculturas. Estas últimas son realizadas con una técnica que descubrió en 1961 y en la cual el modelo es cubierto con vendas empapadas en hidrostone, un tipo de yeso elástico pero fuerte, gracias al cual consigue una réplica de su modelo. Cuando el yeso seca se retira a través de costuras dejadas en la espalda o el costado, finalmente el escultor trabaja directamente sobre la superficie de la obra para acentuar algunos rasgos. Este tipo de esculturas parecen conservar el testimonio de una persona real, tal como haría una huella. CONTEXTO George Segal nació en Nueva York en 1924, donde estudió artes plásticas. Hacia 1953 su obra adquirió un fuerte impulso gracias a la influencia de Allan Kaprow, precursor del happening. En un principio se dedicó a la pintura, a partir de esta influencia llevó sus experimentos a las tres dimensiones. En 1958 realizó sus primeras esculturas con personajes de yeso, lienzo de canevá y alambre, acompañados de objetos cotidianos. El tipo de temas que aborda este artista lo han ligado al movimiento de arte pop desarrollado en los años 60 del siglo XX, que parodiaba el consumismo masivo y otros valores de la sociedad moderna. LA ESCULTURA COMO HUELLA

6. Niki de Saint Phalle, Nana Negra, 1968/69, poliéster pintado, Col. Museo Ludwig, Colonia LENGUAJE ESCULTÓRICO Aunque la escultura de Saint Phalle parte del mundo real, sus figuras resultan en esquematizaciones del cuerpo humano en las que se han eliminando los detalles. Sus contornos son bien definidos y sus formas rotundas, mientras que el desenfado de sus posturas les dan un carácter lúdico y alegre. Como muchos artistas modernos Niki experimentó con materiales sintéticos no utilizados en la escultura tradicional, como el poliéster. REPRESENTACIÓN Una parte de la obra de Niki de Saint Phalle se distingue por el atrevido uso del color. En ella representa a personajes femeninos con cuerpos desproporcionados: brazos cortos y sin manos, senos y caderas enormes y cabezas extremadamente pequeñas, vestidas con traje de colores contrastados y brillantes. Su particular estética la hermana con otros artistas del siglo XX que han tendido hacia la representación del cuerpo monstruoso. CONTEXTO En la producción de Niki sobresalen sus Nanas, que son estas imponentes figuras mediante las cuales quiso hacer una critica al dominio masculino. Representan una diosa o matrona emparentada con las venus prehistóricas, llenas de júbilo y de poder. El arte de esta artista francesa constituyó, en un inicio, una manera de escapar de su difícil realidad, y posteriormente se vinculó con los movimientos feministas desarrollados en los años 70 del siglo XX. LA VENUS DE NIKI

7. Fuego-soplador, Italia 1ª mitad del siglo XII, bronce, Col. Museo de Historia del Arte, Viena REPRESENTACIÓN Este es un soplador medieval que representa una figura antropomórfica desnuda, en cuclillas y con una mano haciendo sombra sobre los ojos. Este objeto de uso cotidiano muestra los rasgos humanos de manera sintética con una desproporción de las partes del cuerpo muy evidente. CONTEXTO La especulación respecto a la función de este objeto medieval sigue estando abierta: mientras algunos creen que era una pieza ordinaria del menaje de una casa y que simplemente servía para para aventar fuego, otros piensan que servía para la demostración de experimentos con energía de vapor. La pieza se llenaba de agua y soplaba vapor por los pequeños agujeros de la nariz y boca. Por el énfasis que otras piezas ponen en la representación de los órganos genitales, se han relacionado con ídolos prehistóricos de la fertilidad. LENGUAJE ESCULTÓRICO Esta figura tiene volúmenes ovoides tanto en la cara como en el cuerpo, mientras que las extremidades están formadas por piezas tubulares. Sus formas se destacan claramente a través de un contorno bien definido y una configuración asimétrica, como puede verse por la postura de los brazos. Su aspecto es del todo distinto a las esculturas de carácter público que se realizaban en esa época, las cuales mantenían un mayor naturalismo. Está realizada en bronce, una aleación hecha a partir de cobre y estaño, de gran dureza y durabilidad. EL CUERPO COMO OBJETO MÁGICO

8. Hoa Hakananai’a, Polinesia ca. 1000 d. C., piedra, Col. Museo Británico, Londres. LENGUAJE ESCULTÓRICO El modelado de esta figura muestra un marcado geometrismo. Está hecha en un sólido bloque de piedra rectangular y sus volúmenes se mantienen dentro de esa forma básica, incluso las extremidades que podrían incursionar fuera del núcleo de la escultura, se mantienen firmemente unidas a él. Esta escultura es similar a muchas otras que eran colocadas por los habitantes de Pascua de forma vertical y en grandes plataformas de piedra. Por lo regular tienen dimensiones colosales, que superan los dos metros de altura. REPRESENTACIÓN Esta escultura es un ejemplar típico de las famosas figuras de la Isla de Pascua conocidas como moai. Representan cuerpos humanos estilizados – con tendencia a sintetizar las formas naturales- y con una escasa individualidad. El énfasis está puesto en la cabeza en donde los rasgos del rostro se marcan profundamente, mientras que los brazos están pegados al cuerpo y se encuentran apenas sugeridos. La cavidad ocular está hundida y las cuencas orbitales son prominentes, su nariz, boca y mentón se destacan firmemente con rasgos angulares. En la parte posterior suelen estar tallados diversos símbolos. CONTEXTO La Isla de Pascua, situada en el océano Pacífico, es conocida por sus figuras colosales de piedra colocadas en filas frente al mar. Alrededor del año 1000 de la era cristiana y hasta la segunda mitad del siglo XVII fueron labradas por los isleños, para rendir homenaje a los ancestros. Su realización declinó cuando el culto al hombre pájaro adquirió mayor importancia entre los isleños y la mayoría fueron destruidas intencionalmente. Esta obra fue recogida durante una expedición inglesa en 1868 y originalmente se encontraba pintada de rojo y blanco, pero perdió su color durante su viaje por mar a Inglaterra. GIGANTES DE PIEDRA

9. Pareja, cultura de occidente, barro, Col. Museo Nacional de Antropología, México, D.F. CONTEXTO En el México precolombino existió una tradición cerámica importante desarrollada por muchas culturas, entre las que destacan los pueblos del occidente mesoamericano. La cerámica servía tanto para realizar utensilios domésticos como obras de carácter ritual, como las cerámicas escultóricas características de la “cultura de Tumbas de Tiro” y la “tradición Teuchitlán”. Muchas de estas piezas escultóricas han sido encontradas en tumbas con cámaras excavadas de manera subterránea y a las que se accede a través de un pozo que llega a tener hasta 22 metros de profundidad. LENGUAJE ESCULTÓRICO Estas esculturas son de pequeñas dimensiones con volúmenes amplios y macizos. Hay una evidente preponderancia del torso y una síntesis en los rasgos faciales. Los rostros son inexpresivos y en ningún caso se refieren a individuos concretos sino a estereotipos. El barro es la materia prima de estas obras acompañado de una sutil policromía. REPRESENTACIÓN La escultura cerámica del Occidente de Mesoamérica suele representar la figura humana desnuda o con escasas ropas, el cuerpo decorado con pintura o relieves y en escenas de la vida cotidiana. Esta figurilla representa a un hombre y una mujer abrazados en un gesto de gran ternura; la mujer, que parece estar embarazada, lleva a los labios del hombre alguna bebida. Sus rostros son idénticos, con ojos almendrados, narices prominentes y labios muy delgados; en los cuerpos encontramos las distinciones anatómicas aunque apenas sugeridas. No se trata de imágenes realistas, pues aunque son figurativas, muestran deformación de las proporciones del cuerpo, tal como se ve en la imagen esquemática del guerrero, con sus cortas extremidades. El concepto de belleza en estas obras no coincide con el arte occidental. CUERPOS DE BARRO

10. El Adolescente, s. IX-XI, piedra arenisca, Col. Museo de Antropología, México, D.F. LENGUAJE ESCULTÓRICO En las culturas que carecían de herramientas metálicas como las de Mesoamérica, la escultura en piedra se realizaba a través de técnicas de desbastado y abrasión, golpeando la superficie hasta pulverizarla y luego frotándola con abrasivos. Este proceso es laborioso e imprime una cualidad especial a las obras, en las que se perciben cortes profundos y leves depresiones que no interrumpen la continuidad de las masas principales. Suelen ser obras de poco volumen sin grandes proyecciones. En El Adolescente apreciamos una marcada verticalidad y un movimiento contenido, así como el juego de diversas texturas a lo largo del cuerpo, pues gran parte de éste se encuentra labrado con bajorrelieves que dan la apariencia de una piel tatuada. REPRESENTACIÓN Esta escultura en piedra es conocida como El Adolescente, tal vez porque sus formas anatómicas son suaves, como los de una persona joven. Es una figura frontal y de escaso movimiento, asimétrica con los brazos moviéndose en sentidos opuestos. Tiende a la geometrización aunque conserva las proporciones del cuerpo y detalles como la deformación craneana, que observamos en el perfil. El rostro es un tanto plano Y de una expresividad serena, con rasgos poco individualizados. CONTEXTO La producción escultórica de Mesoamérica no se limitó al uso de la cerámica, también hay ejemplos de la madera, el hueso y muy distintos tipos de rocas en cuya talla se distinguieron pueblos como el mexica o el huasteco. Podía tener diversos usos, a veces era conmemorativa de sucesos históricos como es frecuente entre los pueblos mayas o ser imágenes simbólicas de las creencias mesoamericanas, como parece ser este caso. Los símbolos que el personaje lleva tatuados en el cuerpo hacen referencia al maíz. JUVENTUD ETERNA

11. Secretaría de Educación PúblicaPrograma de Artes Visuales para secundaria. Material didáctico para el profesor. Segundo grado, bloque 4: “El Cuerpo humano en la escultura”. Coordinación del proyecto: José Antonio Espinosa. Realización: Davayane Amaro Ortega.