LOS CUARENTA PRINCIPALES

LOS CUARENTA PRINCIPALES GRADO EN MAESTRO/A DE EDUCACIÓN PRIMARIA DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL EN E.P. PATRICIA JIMÉNEZ HEBLES. T5

PINTORES

Vincent Van Gogh (1853-1890) Nació en Groot-Zundert, Holanda y falleció en Auvers-Sur-Oise, Francia. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera. Trabajó por períodos con Signac (influenciador del puntillismo) y Gauguin (influenciador del fovismo). La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien contínua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los postimpresionistas clásicos. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. Sin embargo a los pocos años de fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.

El movimiento artístico al que pertenece es el postimpresionismo, que consta de las siguientes características: • Se concibe el arte como una actividad específica con reglas y realidad propia, distinto al entendimiento del arte como reproducción ilusoria de la realidad. • Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas. • Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto puramente estético. • Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos. • Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos y se crea la teoría científica de los colores. • Empleo de colores contrastantes para definir los planos y formas. • Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas. • Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulados. • Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo. • Interés por lo exótico y los bajos fondos. • Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos.

El sembrador. 1888 Es el último cuadro de Van Gogh. El cuadro está dividido en dos partes por la línea del horizonte. No hay océano pero nos lo recuerda el azul alborotado de las plantas del primer plano. Abajo, en el campo, los trazos son aleatorios, no se guarda orden alguno; en el campo espigado, los trazos van hacia arriba. Los brochazos son fuertes, cargados de pintura. Casi podemos tocar las plastas que se salen de la impresión del papel. Y luego el sol, espléndido, luminoso, gordo y generoso. Distribuye sus rayos circularmente a todos lados.

Jarro con doce girasoles. 1888 Fue pintado en agosto de 1888, Van Gogh buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica situación de las hojas así como la pastosa aplicación del color que, delante del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado que va más allá que la simple reproducción de las flores. Expone la imaginación del artista y su gran fuerza expresiva y esta fuerza exigía un gran delirio de sentimientos.

El doctor Paul Cachet. 1890 Es un cuadro pintado al óleo. Data del año 1890. Es una de las pinturas de Van Gogh más reverenciadas, desde que alcanzó un precio récord en 1990. Hay dos versiones auténticas de este retrato, ambas ejecutadas en junio de 1890 durante los últimos meses de vida de Van Gogh. En ambas se muestra el doctor Gachet sentado ante una mesa y haciendo descansar su cabeza sobre su brazo derecho, pero pueden diferenciarse con facilidad.

Pablo Picasso (1881-1973) Nació en Málaga, España y falleció en Mougins, Francia. Fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de todo el mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.

El movimiento artístico al que pertenece es el cubismo, que consta de las siguientes características: • Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superficie pictórica y lo representado en ella. • Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza. • Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas. • Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas. • Eliminación de la perspectiva cónica tradicional (ausencia de profundidad espacial). • Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo. • Creación de transparencias. • Austeridad cromática. • Sombreado arbitrario. • Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato.

Desnudo, hojas verdes y busto. 1932 Desnudo, hojas verdes y busto forma parte de una serie de retratos sobre la amante y musa de Picasso, Marie-Thérèse Walter, desde 1932. El óleo, en tonos azules y lilas, mide más de un metro y medio de alto. Los Brody la adquirieron en 1951 y desde entonces sólo se ha exhibido una vez en público. Conor Jordan, el jefe del ala de Impresionismo y Arte Moderno de Christie's, en Nueva York dijo que la pintura expresó "un momento maravilloso de la carrera de Picasso, el cual se conforma por completo por la obsesión romántica.

Las señoritas de Avignon. 1907 Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.

Gernica . 1937 Es un óleo sobre lienzo. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises. La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma).

Miguel Ángel (1475-1564) Nació en Caprese y falleció en Roma. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papa romanos. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida. Triunfó en todas las artes en las que trabajó caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

El movimiento artístico al que pertenece es el renacimiento, que consta de las siguientes características: • La emulación del arte clásico grecorromano. • La búsqueda de un nuevo lenguaje que refleje las nuevas inquietudes. La busca la belleza en el naturaleza, en el hombre y en todas sus creaciones. • El retorno a la medida humana: el hombre renacentista, que conoce a los clásicos y protagoniza los avances científicos y grandes descubrimientos, se siente el centro del Universo. • La aportación de una visión unitaria en la obra de arte. • La individualidad. Desaparece el anonimato artístico y aparece la figura del genio…

La creación de Eva. 1509-1510 En él encontramos a Dios por primera vez en el ciclo de frescos, parado en la Tierra. Su aspecto esta vez es más terrenal. Sus cabellos y barbas ya no son plateadas, sino que se han tornado amarillentas. Dios se cubre con una túnica azul sobre su vestimenta rosa que se le vio en otras ocasiones. Aún así, conserva sus proporciones hercúleas y sigue siendo imponente, comparando su tamaño con el de Eva. Eva aparece en la escena, confundida y desnuda. Parece que acaba de ser creada. Dios está conversando con ella y ésta, al parecer le está pidiendo algo. Adán permanece tendido, aun dormido y ajeno a la situación que está ocurriendo. Esto, de acuerdo a la historia del Génesis que dice que la mujer fue creada gracias a la costilla que Dios extrajo del cuerpo de Adán. Esta vez, Adán ya no se parece al Adán liviano y débil de la escena anterior. Esta vez, Adán cobra gran fuerza, a pesar de estar descansando. Su cara es parecida pero ahora es pelirrojo. Detrás de ellos se encuentra un paisaje simple. Un cielo azul que se difumina en el horizonte. El mar y el pasto están muy cerca. La acción se está realizando en un lugar entre piedras y árboles jóvenes. Este paisaje está realizado con poca maestría. Solo destacan los cuerpos de Adán, Eva y Dios.

El Juicio Final. 1537-1541 Es un enorme conjunto pictórico al fresco de género religioso cuyo tema es el Juicio Final, extraído del Apocalipsis de San Juan. Cristo es el epicentro de la obra. Con un enérgico y aterrador movimiento separa a los justos de los pecadores. Es uno de los pocos Cristos que se han pintado con una expresión de enojo e ira. Junto a Cristo está María. Temerosa, se esconde junto a su hijo asustada por el movimiento violento que hace. Detrás de ellos hay un destello de luz así que reciben todo el enfoque además porque se encuentran en el centro. Alrededor a ellos están varios santos, representados sin perspectiva alguna, rodeándolos por todas partes. Algunos parecen estar asustados por la acción que acaba de hacer Cristo, y otros están inquietos. Para reconocerlos, Miguel Ángel los pintó con sus característicos complementos o con los objetos con los que fueron mártires.

Separación de las aguas y la tierra. 1511 En él aparece Dios con las manos levantadas, admirando su Creación, comprobando que todo este bien y que no haya ningún desperfecto. Más bien, el título del fresco debería ser "La contemplación de la Creación", aunque se le dio el nombre más bien porque a la izquierda del fresco se ve una mancha azul, que podría ser el mar. Nuevamente, aparece la concha con su túnica rosada. En ella aparecen dos ángeles a su derecha. Uno está escondido, sólo se ve su rostro apenas definido en la penumbra. El otro se agarra de la pierna de Dios y voltea con cautela para ver lo que hay atrás de ellos. A la izquierda de Dios, hay otro ángel que aparece medio tapado por el cuerpo del Creador. Las manos grandes y poderosas de Dios causan gran impresión y dan sensación de respeto. Son las manos con las que el hombre será creado en poco tiempo.

Claude Monet (1840-1926) Nació en París y falleció en Giverny. Fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. Después comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al final de su carrera Monet incursionó en la pintura abstracta.

El movimiento artístico al que pertenece es el impresionismo, que consta de las siguientes características: • Utilización de la teoría de los colores descrita científicamente. • Pincelada suelta basada en Goya • Interés por la luz que diluye las formas, aclara los colores y elimina el claro oscuro. • Contacto directo con la naturaleza (plain aire). • Variada temática: retrato, paisaje, regatas, escenas de la vida urbana, visión optimista del mundo, de la sociedad y de la vida parisina.

Las amapolas. 1873 En él aparece Dios con las manos levantadas, admirando su Creación, comprobando que todo este bien y que no haya ningún desperfecto. Más bien, el título del fresco debería ser "La contemplación de la Creación", aunque se le dio el nombre más bien porque a la izquierda del fresco se ve una mancha azul, que podría ser el mar. Nuevamente, aparece la concha con su túnica rosada. En ella aparecen dos ángeles a su derecha. Uno está escondido, sólo se ve su rostro apenas definido en la penumbra. El otro se agarra de la pierna de Dios y voltea con cautela para ver lo que hay atrás de ellos. A la izquierda de Dios, hay otro ángel que aparece medio tapado por el cuerpo del Creador. Las manos grandes y poderosas de Dios causan gran impresión y dan sensación de respeto. Son las manos con las que el hombre será creado en poco tiempo.

Impresión, sol naciente. 1872 Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua.

Mujeres en el jardín. 1867 Representa un día de verano, con su despreocupado ambiente. Varias mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra. Protagonista del cuadro es la luz que se refleja en los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en actitudes naturales.

Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) Nació en Sevilla. Fue un pintor barroco, post renacentista de escenas costumbristas y religiosas. Seguidor y admirador de Diego Velázquez. Recibió influencias de maestros que pintaban al estilo de Caravaggio, como también de pintores flamencos y venecianos. A la hora de retratar personajes de la vida diaria, la pintura de Murillo destaca por el logro de una luminosidad íntimamente cómplice con la escena que muestra. En este sentido fue un gran innovador para su época. Muy preciado entre algunos famosos pintores ingleses, fue él quien les influenció marcadamente el estilo. Aunque los trabajos de Murillo, fueron los primeros de un pintor español, que lograron fama en toda Europa, el paso del tiempo dio a Velázquez una popularidad superior.

Dos niños comiendo melón y uva. 1650-1655 Las dos figuras aparecen ante un edificio en ruinas, interesándose el artista por presentarlos como auténticos pícaros, destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería. Los detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas- creando Murillo una apreciable sensación de realidad. La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia empiezan a surgir gracias a su contacto con Herrera y la pintura veneciana.

La Inmaculada Concepción de El Escorial. 1660-1665 En el centro de la composición está la Virgen, de canon estilizado y rodeándola, en movimiento curvo, los angelitos. Murillo los agrupa de forma desigual: abajo, flotan once; a la izquierda hay siete cabecitas arriba y cuatro debajo; a la derecha, tres y cinco. Unos son muy visibles mientras que otros desaparecen en la penumbra, ya que hay varios planos de profundidad. El pintor evita la frontalidad y destaca las líneas ondulantes en los abultados pliegues del manto y las diagonales, con abundantes escorzos. La perspectiva es aérea. Es un estilo dinámico y escenográfico, teatral, pero sin violencia.

Mujeres a la ventana. 1670 Es uno de los cuadros de género más raros del sevillano, asomadas ante una ventana aparecen dos mujeres, ambas esbozando una sonrisa y mirando hacia el exterior, clavando sus miradas en el espectador, la de primer plano apoyada sobre el alféizar de la ventana, constituyendo un retrato magnífico, y la de segundo plano tapa su sonrisa con la toca.

Leonardo da Vinci (1452-1519) Nació en Vinci y falleció en Amboise. Fue arquitecto, inventor, y pintor del alto renacimiento italiano. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el pintor Andrea de Verrocchio. En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como nadie lo había hecho antes.Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse, puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica. Sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas.

El movimiento artístico al que pertenece es el renacimiento, que consta de las siguientes características: • La emulación del arte clásico grecorromano. • La búsqueda de un nuevo lenguaje que refleje las nuevas inquietudes. La busca la belleza en el naturaleza, en el hombre y en todas sus creaciones. • El retorno a la medida humana: el hombre renacentista, que conoce a los clásicos y protagoniza los avances científicos y grandes descubrimientos, se siente el centro del Universo. • La aportación de una visión unitaria en la obra de arte. • La individualidad. Desaparece el anonimato artístico y aparece la figura del genio…

La Gioconda. 1503-1506 En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.

La Virgen de las Rocas. 1483-1486 La Virgen está sentada en el suelo de una espelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan.

Madonna dei Fusi. 1501 Representan a la Virgen María con el Niño Jesús, que mira con nostalgia a una rueca que la Virgen está usando para hacer hilo. La rueca sirve como un símbolo tanto del carácter doméstico de María como de la Cruz en la que Cristo fue crucificado, y quizá también recuerda a las Moiras o Parcas, representadas tradicionalmente en la mitología como hilanderas.

Julio Romero de Torres (1874-1930) Fue un pintor español. Nació y murió en Córdoba, donde pasó gran parte de su vida. Hijo del pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y conoció desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa época. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.

La chiquita piconera. 1930 La modelo, María Teresa López, nos mira de forma directa y sosegada, mientras deja caer sus brazos de un modo relajado, momento que es captado por el pintor de manera casi fotográfica, dentro del realismo idealizado que envuelve a la figura de esta bella mujer. Al fondo, un atardecer oscuro parece preludiar la muerte cercana del pintor, y, bajo éste, Córdoba: Paseo de la Ribera, Guadalquivir, Puente Romano y Torre de la Calahorra.

Naranjas y limones. 1928 Nos presenta una representación mixta de figura humana y naturaleza muerta. La modelo profesional de origen francés Asunción Boue aparece con el torso desnudo, sosteniendo entre sus manos y su pecho unas naranjas, formando parte así la fruta del protagonismo de la composición. Los limones que dan título a la obra serían los pechos de la mujer. De esta manera, el maestro representa el erotismo femenino, insinuante, con las frutas tapándose o tratando de taparse el pecho, sugiriendo más que mostrando.

Samaritana. 1920 Como en todas sus pinturas, los ojos de la modelo tiene una mirada misteriosa, su postura relajada que reposa sobre una preciosa ánfora de cobre nos proporciona una sensación de serenidad.

Diego Velázquez (1599-1660) Nació en Sevilla y falleció en Madrid. Fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. En España fue pintor de la corte del rey Felipe IV, del cual pintó muchos retratos.El naturalismo de Velázquez es único. Su coloración nos ofrece una apariencia fotográfica difícil de imitar. Sin duda la maestría de Velázquez influenció notoriamente a varias generaciones de pintores tanto españoles como extranjeros.

El movimiento artístico al que pertenece es el barroco, que consta de las siguientes características: • Ausencia de rasgos, que fueron habituales y definidores, especialmente en Italia, durante el Renacimiento: lo heroico, los tamaños superiores al natural, las glorias corales de los fresquistas italianos. Predomina una cierta intimidad y un sabor de humanidad poco o nada teatral. En resumen, se prefiere un equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla. • Predominio de la temática religiosa. La expresión del sentimiento religioso se ve ayudada por elementos tales como el éxtasis, la mirada dirigida al cielo, el movimiento de la composición. • Ausencia de sensualidad, por obra de una implacable vigilancia que no se ablanda en España. • Tenebrismo, que expresa muy bien esos valores, por lo que se comprende mejor su éxito entre nosotros y no es posible reducirlo a un recurso o técnica meramente importada de Italia. • División de los pintores barrocos en función de la ubicación geográfica de sus centros de trabajo, y así se habla de la escuela valenciana, sevillana o madrileña. Sin embargo tal clasificación es insuficiente fundamentalmente por dos motivos: no puede dar razón de las grandes diferencias que se observan entre pintores de la misma escuela y no explica tampoco de modo satisfactorio la evolución pictórica que va desde el Manierismo hasta la decadencia del propio barroco.

Las Meninas. 1656 Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. Un espejo representado al fondo de la pintura refleja las imágenes del rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria, según unos historiadores, entrando a la sesión de pintura, y según otros, posando para ser retratados por Velázquez; en este caso serían la infanta Margarita y sus acompañantes los que venían de visita para ver la pintura de los reyes.

La costurera. 1640 Se observa a una joven costurera trabajando en una tela, donde el artista capta el movimiento de las manos y la aguja. En cuanto al cromatismo, predominan los tonos oscuros (pardo, negro) y, en contraste con ellos, el color rojo del moño de la costurera, el blanco de la pañoleta y de la tela, así como la luz que se refleja en la cara y el pecho de la misma. La cara es precisamente la parte del cuadro mejor definido, quedando el resto en manchas de color que en cierta medida anticipan el impresionismo.

La dama del abanico. 1635 Predominan en la obra los colores oscuros y la luz solo deja entrever más claramente el pecho y el rostro de la joven, lo que ensalza su belleza. Luce guantes blancos, vestido de seda marrón y un abanico abierto en su mano derecha, lo que habla bien a las claras de la elegancia y clase del personaje.

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) Nació en Londres, Inglaterra. Fue un poeta y pintor estilo prerrafaelista de retratos y temas religiosos. Hijo de un académico italiano, inicia su carrera en las artes a través de la poesía, cosa que cultivó siempre en forma paralela a la pintura.Rossetti forma parte de un grupo de pintores ingleses interesados en la pureza de la pintura medieval italiana del renacimiento temprano. No dominó el óleo y trabajo casi siempre en colores al agua, con lo cual logró resultados extraordinarios en la pintura de detalles. Más adelante en su carrera se aleja del prerrafaelismo moderno y se acerca al estilo de sus pares contemporáneos.Rossetti es un romántico empedernido, amante del arte sofisticado. Al observar sus obras, no queda duda que es uno de los grandes maestros. Ya maduro pinta en forma compleja, aplica diversas capas y esfumado, utiliza puntillismo de 'pincelada casi seca', claramente resalta su deseo de alcanzar la perfección. Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años retirado, como un recluso.

El movimiento artístico al que pertenece es el prerrafaelismo, que consta de las siguientes características: • Aquellos como Hunty Millais que buscan reflejar la naturaleza con gran detallismo y realismo, pero con gran carga simbólica. Su colorido es brillante y su terminación está en la línea del realismo casi fotográfico. Los que prefieren la idealización y para los que no es tan importante ni el color ni la exactitud del detalle, como Rossetti. • Temas religiosos cristianos desde una perspectiva distinta, más humana. Escenas de inspiración shakesperiana y del ciclo artúrico, donde los personajes, sobre todo los femeninos, adquieren un carácter épico y simbólico. Escenas pastoriles y de la vida cotidiana de tono moralizante.

La bien amada. 1866 La protagonista, en el centro de la pintura esta rodeada por cuatro damas, dispuestas simétricamente como las flores de una composición o las piedras preciosas de una joya. El complejo y elaborado tocado demuestra la atención de Rossetti por las creaciones del Art Noveau.

Venus Verticordia. 1868 En 1868 pintó esta hermosa representación de la diosa Venus, concretamente bajo la advocación de Verticordia (la que transforma los corazones). Es un óleo sobre lienzo en el que rosas y mariposas rodean a la diosa, representada desnuda y con una abundante cabellera rojiza, que sostiene en sus manos la manzana dorada, otorgada por Paris como trofeo a la más bella, y la flecha del amor.

La casa de la pradera. 1872 En esta obra Dante Gabriel Rossetti ha representado a cuatro mujeres en el campo. Dos de ellas se encuentran en un segundo plano y otras dos en un primer plano. Las dos mujeres que se encuentran en un segundo plano permanecen agarradas, mientras que las otras dos mujeres están tocando música.

Bernardo Bellotto (1721-1780) Nació en Venecia, Italia. Pintor y dibujante posterior al Renacimiento. Bellotto es sobrino de El Canaletto, de quien aprendió y con el cual fue confundido. En su estilo destaca el respeto a la geometría y la aplicación de su sensibilidad para imaginar y pintar escenas de ciudad, con reproducciones del cielo que sólo él logró plasmar con tanta finura. Perteneció a la escuela de pintura Veneciana. Trabajó en Roma, Torino y otras localidades italianas hasta que viaja a Varsovia donde es nombrado artista oficial en la corte de Estanislao Augusto.

Canal grande, Venecia. 1738 En la obra Bernardo Bellotto representa el canal de Venecia. En el dibuja una serie de barcas y al fondo se ven las casas de la ciudad.

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