La commedia dell arte e la riforma goldoniana

1. La commedia dell�arte e la riforma goldoniana Materiali didattici a cura di V. Sciacca

3. La commedia dell�arte La commedia dell'arte � nata in Italia nel XVI secolo , ed � rimasta popolare sino al XVIII secolo. Le rappresentazioni della commedia dell�arte non erano basate su testi scritti ma su canovacci detti anche scenari, i primi tempi erano tenute all'aperto con una scenografia fatta di pochi oggetti. Le compagnie erano composte in genere da dieci persone: otto uomini e due donne. All'estero era conosciuta come "Commedia italiana". La definizione di "arte", che significava "mestiere", veniva identificata anche con altri nomi: commedia all'improvviso, commedia a braccio o commedia degli Zanni.

4. Il canovaccio Nella commedia dell�arte i testi da recitare si limitavano ad un canovaccio, dove veniva data una narrazione di massima indicativa di ci� che sarebbe successo sul palco. Sul canovaccio gli attori improvvisavano liberamente.

5. Gli Zanni Il nome �Zanni�, � una versione veneta del nome Gianni, un nome molto diffuso nelle campagne lombarde da dove venivano la maggior parte dei servitori dei nobili e dei ricchi mercanti veneziani. Lo Zanni � un personaggio fra i pi� antichi della Commedia dell'Arte: non ha caratteristiche psicologiche individuali; � semmai un �tipo�, con caratteristiche fisse che pu� essere trasportato da una recita all�altra. Le prime forme della commedia dell�arte sono rappresentate da contrasti tra Magnifico (padrone veneziano) e Zanni (servitore, per lo pi� bergamasco).

6. La danza degli Zanni

7. Dallo Zanni al personaggio meglio caratterizzato Dallo Zanni �indistinto�, caratteristico della fase pi� antica della commedia dell�arte, si svilupparono due diverse serie di personaggi con nomi propri, e con un maggior grado di caratterizzazione, i cosiddetti �primi zanni� e �secondi zanni�: I �primi Zanni� erano servi astuti come Frittellino, Beltrame e Brighella; i �secondi Zanni� erano servi sciocchi come Arlecchino, Pulcinella, Mezzettino e Truffaldino. Il pubblico apprezzava soprattutto i �secondi Zanni�, perch� risultavano pi� divertenti.

8. Uno dei �primi Zanni�: Brighella Brighella, come Arlecchino, � una maschera bergamasca . Brighella non fa solo il servo come Arlecchino, ma un'infinit� di altri mestieri, non sempre leciti ed onesti. Cos� si ritrova sempre in mezzo a svariati intrighi. Elementi caratteristici del personaggio sono la prontezza e l'agilit� della sua mente, per escogitare inganni e preparare trappole in cui far cadere il prossimo, tutto questo solo per il gusto stesso di imbrogliare gli altri. � intrigante, molto furbo e senza scrupoli. Brighella inoltre � un tipo bugiardo, racconta frottole con sicurezza e convinzione, tanto che � quasi impossibile distinguerle dalla verit�. Inoltre � molto abile nel cantare, suonare e ballare. Viene raffigurato con giacca e pantaloni decorati con galloni verdi; ha scarpe nere con i pon pon verdi. Il mantello � bianco con due strisce verdi, la maschera e il cappello sono neri.

9. Uno dei �secondi Zanni�: Pulcinella Pulcinella � una maschera di origine napoletana. Il povero pulcinella � un servo sciocco, spesso affamato, che finisce sempre nei pasticci. Ma ne esce sempre con un sorriso.

12. Ancora uno dei �secondi Zanni� bergamaschi: il �diabolico� Arlecchino. La maschera di Arlecchino ha origine dalla fusione di due tradizioni: lo Zanni bergamasco da una parte, e personaggi diabolici farseschi della tradizione popolare francese dall'altra. (In Francia arlecchino � molto popolare ed � conosciuto come Arlequine) Arlecchino � anche il nome di un demone sotterraneo. Gi� nel XII secolo Orderico Vitale nella sua Historia Ecclesiastica racconta dell'apparizione di un corteo di anime morte guidato da un demone di nome Harlichino. Un demone ancora pi� noto con un nome che ricorda da vicino quello di Arlecchino � stato l'Alichino dantesco che appare nell'Inferno come capo di una combriccola di Diavoli.

13. Ancora su Arlecchino: Nonostante le sue origini demoniache, Arlecchino nel Cinque-Seicento divenne la maschera pi� divertente della commedia dell'Arte, con il ruolo del servo sciocco, ladro, bugiardo e imbroglione, in perenne conflitto col padrone e costantemente preoccupato di racimolare il denaro per placare il suo insaziabile appetito (la fame spaventosa accomuna Pulcinella ed Arlecchino).

16. Parte II La riforma goldoniana

17. Il padre della commedia moderna Carlo Goldoni (Venezia 1707 � Parigi 1793) � stato un drammaturgo*, scrittore e librettista** italiano. Stanco e disgustato dalla commedia dell�arte, divenuta troppo volgare e ripetitiva, promosse una riforma teatrale grazie alla quale pu� essere considerato il padre della commedia moderna. * Drammaturgo = autore di testi teatrali. ** Librettista = autore di testi per opera lirica.

18. La commedia dell�arte La commedia �riformata� di Goldoni 1) Goldoni riusc� nel difficile intento di costringere l�attore ad abbandonare l�improvvisazione per adeguarsi a un copione interamente scritto e imparato a memoria; ma questo � solo l�aspetto preliminare e pi� vistoso della riforma goldoniana. 2) La commedia "di carattere". Il vero nucleo della riforma goldoniana consiste invece nel passaggio dal �tipo� al �carattere". Nella commedia dell�arte, l�indole dei personaggi e il loro comportamento sono predeterminati e stereotipati, perfettamente chiari a tutti fin dall�inizio della rappresentazione; le maschere sono sempre � nel modo di agire, di muoversi, di pensare � fisse e uguali a se stesse. Nella commedia di carattere invece i personaggi vanno definendosi progressivamente, il carattere si precisa e si modifica nel corso della rappresentazione, non sono �tipi� fissi ma personaggi in evoluzione. 3) L�abolizione delle maschere. La commedia di carattere implica l�abolizione delle maschere , perch� dietro di esse � pressoch� impossibile per l�attore rendere la complessit� del personaggio. 4) Si rappresenta la vita reale. Le complicate ed inverosimili avventure della Commedia dell�arte cedono il passo ai pi� comuni fatti della vita: il pubblico avrebbe trovato sulla scena una sorta di specchio nel quale rivedere se stesso, con le normali passioni, speranze, sentimenti, pregi e difetti d�ogni essere umano. Si improvvisa su un canovaccio. I personaggi sono psicologicamente piatti, il loro modo di essere � fisso e stereotipato, sono �tipi� e non �caratteri�. 3) La maggior parte dei personaggi indossa una maschera. 4) Le trame sono inverosimili e strampalate, un pretesto per esibirsi in �lazzi� e battutacce.

19. Il miglior frutto della riforma goldoniana: La locandiera La locandiera � una commedia scritta da Carlo Goldoni nel 1751. La storia si incentra sulle vicende di Mirandolina, un'attraente e astuta giovane donna che gestisce a Firenze, con l'aiuto del suo cameriere Fabrizio, una locanda ereditata dal padre, conquistando tutti gli ospiti della pensione: il Marchese di Forlimpopoli, nobile per nascita ma senza un soldo, il ricco conte di Albafiorita, che ha acquistato con il denaro la sua nobilt�, e infine il cavaliere di Ripafratta, inizialmente indifferente a Mirandolina, ma poi anche lui conquistato. Nel finale a sorpresa Mirandolina non si conceder� a nessuno dei suoi nobili pretendenti, ma sceglier� di sposare il cameriere Fabrizio, la persona pi� adatta a gestire con lei la Locanda. Nella sua scelta Mirandolina si rivela donna intelligente e pratica, e rappresenta in pieno gli ideali della borghesia emergente nel �700.

20. Il teatro dell�assurdo Teatro dell'assurdo � la denominazione di un particolare tipo di opere scritte da alcuni drammaturghi, soprattutto europei, tra il 1940 e il 1960. Con lo stesso termine si identifica anche tutto lo stile teatrale nato dall'evoluzione dei loro lavori. Il termine � stato coniato dal critico Martin Esslin, che ne fece il titolo di una sua pubblicazione del 1961: The Theatre of the Absurd. Esslin , analizzando i testi teatrali di questi autori, concluse che in essi si trova una trasposizione artistica del concetto filosofico dell� assurdit� dell'esistenza. Nel teatro dell�assurdo il mondo appare privo di senso: gli uomini non sono in grado di comunicare tra loro e si aggrovigliano in discorsi complicati e allucinati che non portano a niente (tema dell�incomunicabilit� umana). Il teatro dell'assurdo si caratterizza dunque per dialoghi all�apparenza folli, ripetitivi e serrati, capaci di suscitare a volte il sorriso nonostante il senso tragico che custodiscono. Tra i maggiori esponenti del teatro dell'assurdo vanno ricordati Samuel Beckett, Jean Tardieu, Eug�ne Ionesco, Arthur Adamov e Georges Schehad�.

21. Da cosa nasce il teatro dell�assurdo? La seconda guerra mondiale, con il suo carico di dolore, i suoi stermini e la sua sanguinosa irrazionalit� diffonde l�impressione che la vita sia assurda, che l�uomo sia gettato in un mondo incomprensibile. Questo sentimento dell�assurdo permea le opere teatrali e ne trasforma la struttura: in scena avremo personaggi ambigui che non riescono a comunicare tra loro. Nel teatro tradizionale, si racconta una storia, si illustra un fatto. Nel teatro dell�assurdo non si racconta una storia, n� si illustra un fatto. Manca una vera e propria �trama�. I �fatti� del teatro tradizionale vengono sostituiti da un gioco sul linguaggio. Gli autori del teatro dell�assurdo collocano l�assurdit� della vita umana al centro delle loro opere. I personaggi appaiono come esseri angosciati, senza scopo nell�esistenza: provano, invano, a sperare ancora, cercando una via d�uscita in un universo nel quale non hanno il loro posto. Animati da comportamenti meccanici e ripetitivi, essi vengono intrappolati in un ambiente in decomposizione, aspettando una morte che li getter� in un nulla definitivo. L�assurdit� e l�incoerenza della vita umana trovano espressione drammaturgica soprattutto nel linguaggio che sostituisce l�azione. La nuova forma teatrale mette in evidenza l�incapacit� dell�uomo a comunicare, a capirsi e a capire l�altro. Gli autori teatrali adottano molti procedimenti per �mostrare� sulla scena questa incapacit�: successione di frasi banali e di luoghi comuni, frasi aggrovigliate e destrutturate, ricorso ad onomatopee, successione di battute brevi che non seguono un filo logico� : tutto concorre a mostrare come il linguaggio, invece di essere strumento di comunicazione, sia un ostacolo che non permette l�instaurazione di rapporti veri tra gli esseri umani.

22. E. Ionesco Autore di origine romena, Eug�ne Ionesco nasce a Bucarest nel 1912, da madre francese. Dopo aver trascorso pi� volte in Francia le vacanze estive, decide di stabilirsi definitivamente a Parigi, dove vivr� per gran parte della sua vita. Qui si mantiene con un modesto impiego presso una casa editrice fino a quando, nel 1950, conosce grande popolarit� con la sua prima opera drammatica, La cantatrice calva, che va in scena a Parigi, al Noctambule. Con questo lavoro vengono poste le basi di quello che in seguito sar� definito �teatro dell�assurdo�: isolamento dei personaggi, destrutturazione del linguaggio, incomunicabilit�, mancanza di azione. Una denuncia del malessere della societ� europea di met� Novecento, che prosegue anche nei lavori successivi: La lezione (1951), sorta di rilettura di un rapporto sado-masochista; Le sedie (1952), una delle opere pi� intense dell�autore, in cui due anziani che vivono su un�isola deserta, cercano inutilmente di instaurare un rapporto con gli altri uomini invitandoli nella loro casa, ma le scena si riempir� solo di sedie vuote; Il rinoceronte (1960) che, prendendo spunto la situazione politica del paese d�origine dell�autore, solleva una denuncia verso i totalitarismi. Negli anni seguenti Ionesco compone numerose altre opere, affini per tecnica e tematiche a quelle degli esordi: Il re muore (1962), Deliri a due (1962), La fame e la sete (1966), Il pedone dell�aria (1967), Gioco al massacro (1969), un omaggio al teatro di Artaud. Nel 1970 Ionesco entra a far parte dell�Acad�mie Fran�aise, quale riconoscimento sia del suo talento artistico, sia della sua capacit� a interpretare i problemi della societ� contemporanea.

23. La lezione di Ionesco La lezione � il secondo testo drammatico di Eug�ne Ionesco, quello che, assieme a La cantatrice calva, costituisce la parte pi� provocatoria e sperimentale del percorso drammaturgico dell�autore. Andato in scena per la prima volta il 17 febbraio 1951, divenne in breve uno dei testi pi� celebri del cosidetto �teatro dell�assurdo�.Una forma di teatro cui aderironoautori quali Arthur Adamov e SamuelBeckett, e che era sorto nel 1950, all�indomani della conclusione del secondo conflitto mondiale, con lo scopo di denunciare il senso di smarrimento e malessere di una societ� che non riusciva pi� a ritrovare se stessa. L�incomunicabilit�, la mancanza di accadimenti, il costante contrasto tra parola e azione, il linguaggio che diviene ostacolo anzich� veicolo alla comunicazione dei personaggi, sono alcuni fra i tratti caratteristicidi questa drammaturgia.Come La cantatrice calva, anche La lezione � una pi�ce priva di scioglimento ossia caratterizzata da una forma circolare: l�ultima scena,infatti, ripropone la medesima situazione della prima, innescando cos� un meccanismo destinato a proseguire all�infinito.Il pubblico viene posto di fronte auna lezione il cui scopo apparente sarebbe quello di preparare l�allieva a una improbabile�libera docenza totale�. In verit� lapi�ce si trasforma in qualcosa di totalmente diverso, in cui entrano in gioco un sottile sadismo, la prevaricazione e la violenza dell�insegnante verso la studentessa.Le denominazione �dramma comico� spiega le numerose contraddizioni di cui � costituita questa pi�ce: non solo vi � un continuo alternarsi di situazioni comiche e drammatiche,ma gli stessi personaggi si trasformano lentamente e inesorabilmente difornte gli occhi dello spettatore. E cos�, la studentessa che sulle prime � sfrontata e sicura di s�, diviene gradualmente mansuetae succube del professore; quest�ultimo, invece, da timido e cerimonioso quale appareall�inizio, si trasforma in un uomo violento e psicopatico.Su tutto domina una riflessione sul linguaggio che diviene non pi� mezzo di comunicazione, ma strumento attraverso il quale il professore opera la sua sadica distruzione dell�allieva. Il ripetersi ossessivo dellemedesime parole, la presenza di similitudini assolutamente uguali, gli interventi di un�inquietante domestica che mette in guardiail professore dai pericoli che si nascondono dietro l�insegnamento della filologia, conducono verso una conclusione inaspettata e violenta, dietro la quale si celano numerosisignificati, non ultimo quello dellaviolenza sessuale. Lo squillo del campanello annuncia l�arrivodi una nuova studentessa-vittima e l�inquietante ripetersi della medesima situazione.