La Figura Femenina en el Arte

1. 40 PRINCIPALES La Figura Femenina en el Arte Trabajo realizado por: Manuel Daniel Díaz Muñiz

2. La mujer como objeto de representación artística (Introducción). Desde el comienzo de la humanidad, la mujer ha sido representada primero por pintores, y más tarde por fotógrafos, escultores, escritores o diseñadores. La mujer ha sido y continuará siendo creadora de estilos propios y modas que han marcado y marcaran un tiempo. Nunca podremos negar que el cuerpo de la mujer saca lo mejor del interior de cada artista, sumiéndolos en un caos de color, sinuosas líneas y bellos versos que nos adentran en mundos utópicos llenos de magia y de luz. El número de obras cuya temática se centra en la representación de la mujer, especialmente a través de temas religioso mitológicos, es sustancialmente, muy abundante. La representación femenina más antigua parece estar asociada al concepto de supervivencia, a través de la imagen de la fecundidad. Desde las “Venus” prehistóricas, hasta las mujeres de senos marcados y vientres redondeados de las obras medievales, la acentuación de los rasgos femeninos siempre se ha relacionado con la idea de la continuidad de la especie. La figura femenina en el arte está también asociada al comportamiento moral, tanto como representación de lo malo, del vicio, del pecado, como de imagen de la santidad.

3. Así, encontramos imágenes de la tentadora Eva, a quien incluso acompaña una serpiente que en multitud de representaciones posee pechos de mujer; o también imágenes de los vicios personificados en figuras femeninas. Pero las imágenes de la moral, las alegorías de las virtudes, o incluso la representación de la Fe, poseen también rasgos de mujer, como figura alegórica o como representación de santas mujeres. A partir del Renacimiento, el desnudo femenino, dentro de las representaciones de carácter mitológico, comienza a acentuar su carácter erótico. Sin embargo no se produce una desvinculación total hasta algo más tarde, cuando el desnudo pase a ser eso, un desnudo, alejado de toda connotación mitológica. Venus ya no es una diosa, sino que es una mujer que muestra su cuerpo, como ocurre, por ejemplo, en la Maja desnuda de Goya. Con las vanguardias, el desnudo femenino, más allá de la simple idea de la belleza, aparecerá más claramente asociado al erotismo y la sexualidad, con obras claramente sugerentes, abandonando poco a poco la inocencia para llegar a una provocación directa y sin trabas, relacionándose también con los cambios sociales en los que la mujer adquiere mayor libertad social, comenzando por sí misma y por su propio cuerpo. La vanguardia prestará mucha atención a la figura femenina. Sus curvas, sus formas, se convierten en objeto de estudio. El modelo femenino se convierte en recurrente a la hora de practicar las artes, incluso más allá de cualquier connotación. La sensualidad, los volúmenes, su movimiento y sus contrastes de luz y sombra, convierten la figura femenina en un objeto artístico perfecto. La vanguardia ya no se preocupa, como en otros momentos, de lograr la belleza o el deleite sosegado con la obra de arte, sino que pretende enseñar a mirar el mundo con nuevos ojos.

4. Lista de pintores Jan Van Eyck Caravaggio Andrea Mantegna Peter Paul Rubens Piero Della Francesca Francisco de Zurbaran Botticelli Rembrant Leonardo da Vinci Murillo Raphael Jaques Luis David Gerard David Degas Miguel Ángel Monet Tintoretto Toulouse Lautrec El Greco Van Gohg Nota: La Gioconda de Leonardo da Vinci y la Cabeza de Medusa de Caravaggio las analizaré de forma más exhaustiva a continuación. El resto de las obras de los pintores seguirán el orden establecido que se puede ver aquí.

5. La Gioconda Obra maestra realizada en óleo sobre tabla con unas medidas de 77 X 53 cm. Se sitúa temporalmente en los años 1503, 1506. Pertenece a la época del renacimiento italiano. Este retrato se encuentra en el Museé du Louvre, en París, en un estado de conservación muy bueno. IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA Descripción: la mujer retratada es Madonna Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde también toma su sobrenombre. Aunque algunos críticos han afirmado que podría ser un auto-retrato del autor con apariencia de mujer. El paisaje de fondo es agreste, salvaje y de un matizado tono azul. En esta obra se ven reflejadas todas las características de pintura de Leonardo: el empleo del sfumato (la técnica de difuminar suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos). Colores: ocre quemado para sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. Leonardo da Vinci

6. ANÁLISIS FORMAL La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el paisaje. La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas decontorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles. Utiliza colores ocre para las sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. Para el paisaje utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules, difuminando el color para marcar la lejanía y proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina. Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. Progresa desde el fondo, se concreta en la transparencia de los velos, en los pliegues del vestido, entre los cabellos, y resbala sobre el rostro y las manos haciendo sentir bajo la piel diáfana, el pulso de la sangre. RELACIÓN DE LA OBRA CON LA ÉPOCA HISTÓRICA Las circunstancias Francesco Giocondo encargó un retrato para su mujer. Lisa debía ser pintada y el cuadro debía ocupar un lugar de honor en su casa, todos podrían ver cuánto amaba a su mujer y lo agradecido que estaba de que le hubiera dado hijos. Influencias posteriores La Mona Lisa de Da Vinci una de las obras que más ha marcado en la historia del arte, tal vez por la naturalidad y el detallismo con el que es pintada o por el misterio de su mirada, o quizás por su enigmática sonrisa. Es una obra digna de admiración, lo que no es de extrañar ya que fue pintada por un genio.

7. ESTILO AL QUE PERTENECE Renacimiento s XVI "Cinquecento".Es un siglo en el que la pintura vive una notable evolución, la figura del hombre será el núcleo de este movimiento. El dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz que adquiere mucha importancia juntamente con las sombras (dan profundidad a la obra). En el paisaje se recurre a los fondos nublados, con rocas, a los crepúsculos, etc. La composición normalmente es triangular. Todas estas características se encuentran en La Gioconda. Leonardo Da Vinci era científico y artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci (Italia) en 1452 y murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un humanista universal y el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo consigo el retrato de Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. La Mona Lisa, que cuando fue retratada tenía 24 años, está sentada en una silla con el brazo derecho descansando sobre el apoyabrazos. Su postura es recta y erguida, transmite sensación de equilibrio. Viste ropa discreta, el pliegue de sus ropas está muy trabajado, y no lleva joyas, para que la atención del espectador no se desvíe hacia ellas y se centre exclusivamente en su belleza y en su enigmática sonrisa. Leonardo no pretende retratarla únicamente de una manera superficial, sino que quiere que emerjan sus sentimientos y su alma, y lo consigue. Sus ojos y su sonrisa irradian vida, felicidad y misterio. Estos dos rasgos son donde mejor se refleja el alma, por eso Leonardo no pintaba los retratos de perfil, y sí de frente. Otro de los objetivos logrados por Da Vinci es la naturalidad de la obra. El brillo de sus ojos, la "transparencia" de su piel por la que parece que fluya la sangre, la minuciosidad por la que es pintado su pelo, la manera tan detallada de tratar su rostro; un claro reflejo de lo natural. Y la involucración de su figura con el paisaje, y el juego de luces y sombras que marcan la lejanía y la proximidad del paisaje (sfumato).

8. ESTILÍSTICA Parece, por estas indicaciones, que la figura representada es Lisa Gherardini, casada con Francesco Bartolomeo del Giocondo, que nacida en 1479, concuerda con la edad de la representada en 1503, cuando Leonardo inicia la obra. Podemos clasificar esta obra como el retrato más famoso de toda la historia de la pintura. El paisaje, en continuo movimiento se conforma mediante ríos que fluyen, brumas, vapores, rocas deshilachadas, juegos de luces y vibraciones de colores. Nada hay permanente, todo se trasmuta y se funde, en una visión de paisaje irreal, esencia de la naturaleza. La belleza estriba en ese continuo ser y no ser, hacerse y deshacerse; la mujer en comunión con la naturaleza se integra y forma parte de ella, convirtiéndose igualmente en fondo.En la obra no importa sólo la grandiosidad de la imagen, lograda por la perfecta definición del modelado, sino la plasmación de esa belleza ideal, tan buscada e investigada por Leonardo. La fusión entre el sentimiento del ser humano y la naturaleza es el reflejo de esa belleza, que se manifiesta en el perfecto equilibrio y armonía del rostro de la figura y en su sonrisa enigmática. ANÁLISIS SIGNIFICATIVO La obra representa un retrato, pero no sólo eso, sino que es el reflejo de la genial personalidad de Leonardo, absolutamente única e individual, espejo de su afinadísimo sentido analítico, su sabiduría, su genio y sus inalcanzables sueños. La grandeza y la serenidad que la obra trasmite procede, no tanto de la posición social del personaje o de la manifestación de ésta, sino de su profundidad anímica, de su propia intimidad psicológica que parece modelar su presencia física que, al mismo tiempo, se desintegra en la naturaleza envolvente, sin que por ello pierda su propia identidad.Como obra independiente ha tenido su propia historia, sin parangón con ninguna otra obra de arte. Desde la insistencia en pintarla desnuda, basándose en unos supuestos bocetos sobre el cuadro realizados por Leonardo, hasta la explicación de la supuesta afección asmática del personaje, provocadora de su comentada sonrisa, pasando por la duda sobre el sexo del personaje representado. Un robo sufrido en 1911, consagra su ya altísima fama, al interesar a novelistas, compositores de cuplés, humoristas, etc. En 1918 es utilizada como imagen de propaganda política, en la tarjeta de La Gioconda Kaiser, a la que seguirán otras muchas, como la Gioconda-Stalin.También se ha incluido el tema leonardesco en el lenguaje popular, sirviendo de reclamo publicitario para todo tipo de objetos, sufriendo para ello descomposiciones y recomposiciones e incluso deformaciones. Los artistas contemporáneos han utilizado su imagen en innumerables ocasiones, incluyéndola en sus propias obras.

9. Cabeza de Medusa Obra de 1600 -1601 Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi. Mide 60 X 55cm, y fue creada en óleo sobre lienzo. Su estilo data del barroco italiano. Se trata de un tondo donde queda retratada una mujer con pelos de serpiente. La expresión de la mujer refleja el asombro de ver como sus pelos se convierten en serpiente. El tenebrismo está aplicado con gran maestría, y queda claro en la parte derecha del pelo de la mujer, un magnifico juego de luces dejándonos entrever las serpientes. Es un cuadro que Caravaggio pintó por encargo de su mecenas y que formaba un lote para un regalo. Pintura sobre un escudo circular, de motivo fuerte, simbólico. La cabeza de la medusa gorgona, decapitada por Perseo. Llena de serpientes a modo de cabellera. Escudo que pasó a la heráldica, de carácter militar y mitológico. Pintura sorprendente por su efecto. Es copia exacta de lo visible, ojos desorbitados, gesto extremado de dolor. Para explicar esta obra he utilizado el mito de Perseo y un pequeño comentario personal sobre el mito, pero antes he descrito la vida de Caravaggio y su estilo personal. Ambas cosas ayudaran a entender mejor esta obra y por ello las describo a continuación. Caravaggio

10. CARAVAGGIO Caravaggio transmite la pintura, se convierte en un fenómeno mundial, creador del tenebrismo y del claroscurismo. Con frecuencia en su pintura aparecen efectos de violencia con una intensidad desconocida hasta ahora. El claroscuro aparece cuando la intensidad de la iluminación produce un efecto de contrastes. La luz produce efectos singulares en la pintura. Al igual que Bernini revoluciona la escultura, Caravaggio revoluciona la pintura. El tenebrismo no sólo expresa tinieblas y oscuridad, contempla también los contextos violentos y dramáticos. La realidad es un concepto ambiguo, las cosas tienen una apariencia, una representación (no presencia) de los objetos. El color sugiere la rotundidad de las formas, contornos y perfiles, es un efecto de la existencia de la luz. Si no hay luz no hay color. Caravaggio utiliza la luz como un agente plástico de categoría. Después del renacimiento, el manierismo expresa la subjetividad, el movimiento de formas. Antaño al artista le encargaban las obras tanto la iglesia, las familias acomodadas, las unidades de elite, etc.; obras predeterminadas, con motivos predeterminados y a instancias de quien hacía el encargo; ese era el sistema de mercado existente para el artista hasta el siglo XIX, a partir de entonces el artista crea obras bajo su iniciativa para venderlas posteriormente a un posible comprador, sin destino previo, sin previo encargo en la mayoría de las ocasiones. La Reforma Protestante rechazó las obras de arte de imágenes. Incluso el clero cuestionaba las imágenes en sus recintos e iglesias, habían imágenes que no eran bien consideradas a pesar de tratarse de obras de arte, claro ejemplo el de la Virgen de Collolungo, (la Virgen del cuello largo) obra de extrema delicadeza del parmesanismoclásico manierista, representada por una hermosa mujer y muy bien vestida.

11. En este momento aparece Caravaggio, de apelativos múltiples y contradictorios, de carácter patológico, se le imputan relaciones homosexuales, fue motivo de seguimiento por la policía de Roma, continuos incidentes, personalidad trastocada. El fenómeno Caravaggio llega a toda Europa, fue un fenómeno comparado al del cubismo en el siglo XX. Varios pintores españoles, entre ellos Velázquez y Ribera El Españoleto, estuvieron influidos por su técnica: Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla son dos claros ejemplos del claroscuro utilizado por Caravaggio, donde aparecen violentos contrastes de luz. La realidad y la naturaleza son conceptos cambiantes para el artista; lo tangible y lo no tangible también lo expresan los artistas; las palabras, los sueños, y el subconsciente también pueden ser expresados en el arte. Caravaggio utilizaba modelos de la realidad para plasmarlos en los personajes que representaba. Entra en esa revolución conceptual, incluso hoy es de actualidad, lo azarosa de su vida y su obra. Nació en 1.571, (cuando la batalla de Lepanto), en Caravaggio, ciudad al sur de Bérgamo, de donde toma el apodo. Su nombre real era Michelangelo Merisi. Se forma en Milán, es pintor del norte de Italia, su formación y tradición en este entorno varía de la de Roma, Florencia, etc., (Leonardo da Vinci, era de Milán). El norte de Italia, la Lombardía, es la parte más entroncada con la Europa central (Flandes, Alemania, etc.)

12. Entre 1.592 y 1.593, Caravaggio se traslada a Roma, y en 1.595 se produce un hecho fundamental: la vinculación a la casa del cardenal Francesco María del Monte, su primer mecenas importante, el comitente ó patrocinador que le encargaba sus pinturas. En este período pinta cuadros relacionados con la música (el cardenal del Monte, era gran aficionado a la música y daba conciertos en su mansión, propiciaba esta actividad, que él la supo aprovechar con inteligencia adoptando esta forma de pintura) El arte de Caravaggio interesa a muchas clases sociales. Muere en 1.610 de malaria, próximo a ésta fecha, en 1.609, muere también Annibale Carracci, importante artista de la época. Varios cardenales de la iglesia fueron protectores de Caravaggio. Sus pinturas admiten diversas interpretaciones, Pintor de dotes técnicas extraordinarias, colorista excepcional, personalidad arrolladora. No se debe tratar a este pintor en un sentido solamente. Caravaggio es colorista abigarrado, de una variedad cromática encantadora, apenas utiliza elementos de segundo plano, nada que nos distraiga del objetivo principal. El caravaggismo es un fenómeno de fondo. La figura de Caravaggio es incopiable. Ribera (español formado en Italia) lo comprendió perfectamente y se identificó con él. Fueron características propias de Caravaggio: -El tenebrismo, el claroscuro -La introducción de personajes de la actualidad en sus obras, incluidos los de baja escala social, marginales y ancianos, que presentaba con toda su crudeza. Caravaggiopintaba del natural.

13. EL MITO DE PERSEO. Perseo era hijo de una mujer mortal, Dánae, y del gran dios Zeus, el rey de cielo. El padre de Dánae, el rey Acrisio, había sabido por un oráculo que algún día su nieto lo mataría y, aterrorizado, apresó a su hija y expulsó a todos sus pretendientes. Pero Zeus era un dios y quería a su hija Dánae. Entró en la prisión disfrazado de aguacero de lluvia de oro, y el resultado de su unión fue Perseo. Al descubrir Acrisio que, a pesar de sus precauciones, tenía un nieto, metió a Dánae y a su hijo en un arcón de madera y lo arrojó al mar, esperando que se ahogaran. Pero Zeus envió vientos suaves para que empujaran a madre e hijo a través del mar hasta la orilla. El arcón llegó a tierra en una isla donde lo encontró un pescador. El rey que gobernaba en la isla recibió a Dánae y a Perseo y les ofreció refugio. Perseo creció allí fuerte y valiente, y cuando su madre se sintió incómoda por las insinuaciones que no deseaba del rey, el joven aceptó el desafío que lanzó este molesto pretendiente. El desafío consistía en traerle la cabeza de la Medusa Gorgona. Perseo no aceptó esta peligrosa misión porque deseara adquirir gloria personal, sino porque amaba a su madre y estaba dispuesto a arriesgar su vida para protegerla. La Medusa Gorgona era tan horrorosa que sólo con mirarle a la cara con vertía en piedra al observador. Perseo necesitaba la ayuda de los dioses para vencerla; y Zeus, su padre, se aseguró de que le ofrecieran esa asistencia. Hades, el rey del inframundo, le prestó un casco que hacía invisible al portador; Hermes, el Mensajero divino, lo proveyó de sandalias aladas, y Atenea le dio la espada y un escudo especial pulido con tanto brillo que servía como espejo. Con este escudo, Perseo pudo ver el reflejo de Medusa, y de ese modo le cortó la cabeza sin mirar directamente a su horrible rostro. Con esta cabeza monstruosa, convenientemente oculta en una bolsa, volvió para casa. Durante el viaje vio a una doncella hermosa encadenada a una roca que había en la playa, esperando la muerte a manos de un terrible monstruo marino. Supo que se llamaba Andrómeda y que la estaban sacrificando al monstruo porque su madre había ofendido a los dioses.

14. Conmovido por su situación y por su hermosura, Perseo se enamoró de ella y la liberó, convirtiendo al monstruo en piedra con la cabeza de la Medusa Gorgona. Después, regresó con Andrómeda para presentársela a su madre que, en su ausencia, se había sentido muy atormentada por las insinuaciones del malvado rey, hasta el punto que, desesperada, tuvo que buscar refugio en el templo de Atenea. Una vez más, Perseo sostuvo en el aire la cabeza de la Medusa, convirtiendo en piedras a todos los enemigos de su madre. Después le entregó la cabeza a Atenea, que la montó en su escudo, con lo que en adelante se convirtió en su emblema. También devolvió los otros dones a los dioses que se los habían dado. Andrómeda y él vivieron en paz y armonía desde entonces y tuvieron muchos hijos. Su único pesar fue que, cierto día, mientras tomaban parte en unos juegos atléticos, lanzó un disco que llegó demasiado lejos impul­sado por una ráfaga de viento, y accidentalmente golpeó y mató a un anciano. Este hombre era Acrisio, el abuelo de Perseo. Al final, de esta forma se cumplió el oráculo que el difunto anciano tanto se había esforzado por evitar. Pero en Perseo no había ningún espíritu de rencor ni de venganza y, debido a esta muerte accidental, no quiso seguir gobernando su legítimo reino. En con secuencia, intercambió los reinos con su vecino, el rey Argos, y construyó para sí una ciudad poderosa, Micenas, en la que vivió largo tiempo con su familia en amor y honor. 

15. COMENTARIO PERSONAL SOBRE EL MITO. La historia de Perseo es un relato de amor y de coraje en la batalla contra el odio y el temor, y refleja el modo en que lo divino está presente en toda su progenie. La lucha y el sacrificio que requieren el obrar apropiado conducen al cese del conflicto y a la creación de una persona superior. Pero el héroe no persigue esta búsqueda conscientemente. Muy pocos jóvenes son verdaderamente conscientes de la necesidad de ser consciente y de obrar apropiadamente, de andar el camino espiritual; de lo que normalmente se dan cuenta es de la necesidad de hacer mejor las cosas. Perseo comienza por salvar a su propia madre; sin embargo, acaba haciendo mucho más de lo que se había propuesto originalmente. La historia de Perseo comienza, con temor. Acrisio teme que se cumpla la profecía del oráculo e intenta deshacerse de su hija y del pequeño nieto. El argumento del viejo que teme al joven nos es familiar en el mito, y Acrisio encarna la actitud negativa que el ser humano viejo puede tener hacia el joven. El nombre de Perseo, que significa “destructor”, describe su papel como asesino de la Medusa; pero Acrisio ve la destrucción únicamente en relación consigo mismo. En esta historia, el dios Zeus juega el papel de padre bondadoso que ampara a su hijo, guiando y protegiendo invisible mente a madre e hijo para que sus vidas no corran en realidad peligro.

16. Zeus ama a Dánae y ella ama y quiere a su hijo, a pesar del mal carácter de su propio padre. Perseo responde al amor de Dánae, al amor de su madre, arriesgando con gusto la vida por ella. Cuando su madre está desesperada por la persecución agresiva del rey, Perseo decide dejar el hogar y derrotar a cualquier monstruo que amenace su seguridad. Se ve impelido hacia el mundo, más por el deseo de proteger a alguien que es muy preciado para él que por buscar el significado de la vida. Aunque los dioses le ayudan, utiliza esa ayuda sabia y modestamente. Es ingenioso y valiente al acabar con la Medusa y, cuando se enamora, es indómito al defender a su amada de los enemigos. Aunque abandona a su madre, se apoya en su relación positiva con ella para realizar hechos valerosos, a diferencia de otros héroes, que rompieron sus lazos con el hogar de forma abrupta con el fin de encontrarse a sí mismos. Perseo es siempre decente y caballeroso. Perseo es una imagen de algo que hay en nuestro interior y que puede alcanzar metas sin hacer que sufran los que no tienen culpa. Castiga sólo a los que merecen castigo y siempre honra y respeta a los dioses. Devuelve sus dones, porque sabe que es mortal y no tiene ningún derecho a exigir atributos divinos. Ya al final de la historia se comporta con sensibilidad, renunciando a su reino de pleno derecho, a causa de la desgraciada muerte de su abuelo. Es capaz de perdonar a Acrisio por su odio corrosivo y no se siente obligado a buscar venganza. Quizá por eso viva mucho tiempo y felizmente con su madre, su esposa y sus hijos, que es algo poco usual en el mito griego.

17. Jan Van Eyck Pintor flamenco nacido en 1390 hasta 1441. Se considera un extraordinario miniaturista, representa la figura humana con un especial estudio, son una tremenda monumentalidad. Se sitúa en un estilo muy natural, donde lo bello significa minuciosidad, precisión en el trazo, colores llamativos, naturales y un alto simbolismo en cada detalle de la pintura. Así mismo no debemos olvidarnos de la tridimensionalidad de los espacios, el uso de la perspectiva de una forma que antes nunca se uso. Algunas de sus obras mas destacadas son Margarita Van Eyck, Matrimonio Arnolfini, La virgen del canciller Rodin, La virgen en la iglesia. Berlín, El hombre del turbante rojo, o Jan de Leeuw. Margarita Van Eyck La virgen en la iglesia, Berlín Matrimonio Arnolfini

18. Margarita Van Eyck Pintura flamenca fechada en 1439. Se encuentra en el museo Groninge de Brujas. Tiene unas medidas de 32,6 X 25,8cm. Se trata de un óleo sobre tabla. Margarita fue pintada cuando contaba 33 años, una edad bastante madura para la época. Su rostro posee ya los rasgos de la vejez. No es una mujer hermosa, pero el pintor la retrata con amabilidad y su rostro traduce inteligencia, voluntad y eficacia. En su retrato podemos apreciar la última moda femenina para los Países Bajos: frente rapada para darle mayor amplitud, y una toca en forma de cuernos. Buen ejemplo del naturalismo de las imágenes de la pintura flamenca, donde lo mas bello es lo más real, es este caso Van Eyck saca un excelente partido al rostro de su esposa y a los paños que esta lleva, observando un magnifico claroscuro. Van Eyck

19. La Virgen de la Iglesia Pintura flamenca de 1425. Se encuentra en Staatliche Museen Berlin. Es un óleo sobre tabla de unas dimensiones de 31 X 14cm. Es una de las obras másfamosas de Van Eyck por lo impactante de la imagen. Lo que másimpresiona es la combinación de la figura femenina, de la Virgen, con la arquitectura gótica de la iglesia donde está encerrada. La desproporción es evidente: la cabeza de la Virgen alcanza la galería del triforio en el arranque de las bóvedas. Se trata de identificar la efigie monumental de María con la bellísima arquitectura gótica. Esta identificación se basa en que María es el templo que alberga a Dios cuando se hizo hombre, y en muchas pinturas de Van Eyck, María sustituye al altar en las iglesias. La arquitectura de la iglesia está completamente llena de alusiones a María: el trascoro, al fondo, está adornado con relieves sobre la vida de María, como la Anunciación, la Virgen con el Niño, etc. Esta imagen se suele ofrecer como contraposición a la pintura renacentista de la misma época, en la que priman la proporción y la perspectiva. Aquí, en cambio, la perspectiva de la arquitectura es correcta aunque se transforma la realidad para obedecer al propósito de identificar a María con Iglesia. Van Eyck

20. Matrimonio Arnolfini Pintura flamenca de 1434. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres. Se trata de una pintura de óleo sobre tabla de roble con unas dimensiones de 82 X 60cm. Es una de las obras más simbólicas del autor, y la mujer hace un papel muy importante en este momento, ya que nos la encontramos embarazada como simboliza el color verde de su traje, y contrayendo matrimonio. La pintura inmortaliza el momento que que el señor Arnolfini introduce a su futura esposa en un nivel social superior al de su cuna. Si hablamos de la simbología podemos destacar los zapatos que en posición hacia el exterior nos representan el trabajo del hombre en la calle, el perro simboliza la fidelidad, el rojo de la cama la pasión de los recién casado, encontramos una vela encendida en la lámpara que nos simboliza el matrimonio. Se trata de uno de los cuadros más reconocidos del autor y la mujer representada adquiere en él una gran importancia. Van Eyck

21. Andrea Mantegna Andrea Mantegna fue un gran pintor del cuatroccento italiano. Desde pequeño mostró gran habilidad para la pintura, y durante los primeros años en Italia, forjó su estilo a base de influencias de otros artistas, hasta el momento en que realiza el San Sebastián, explotando su fama en toda Italia. La figura humana será una de sus devociones, grandes escorzos perfectamente proporcionados y una gran expresividad hacen que las pinturas de Mantegna sean reconocidas fácilmente. Sus obras más destacadas son, Cristo en el monte de los olivos, Cámara de los novio, la Virgen con el niño, Cristo muerto, Madonna de la catedral, La Virgen con el niño y santos o Epifania. La virgen con el niño La virgen con el niño y santos Madonna con niño Jesús

22. La virgen con niño Se trata de una pintura del Quatroccento italiano, de 1490,con unas dimensiones de 43X31 cm. contemplamos obra reproducida en tempera sobre madera. Las pequeñas tablas con la Virgen con el Niño tienen un contenido devocional, encargadas por clientes particulares para decorar sus palacios. Los artistas del Quatroccento variaránen la representaciónde esta temática, recurriendo Mantegna a figuras recortadas sobre un fondo neutro. La perspectiva viene dada por las piernas del Niño creando distintos planos para organizar la profundidad. Los rostros estereotipados de la Virgen y el Niño no coinciden con el naturalismo de la Madonna, arcaísmo posiblemente motivado por la exigencia del cliente. Andrea Mantegna

23. La virgen con niño y santos Obra pictórica del renacimiento italiano. Calculamos que la obra fue creada entre 1495/1499. Actualmente pertenece a una colección privada. Se elaboro con témpera sobre madera. La sintonía entre Mantegna y su cuñado Giovanni Bellini en los últimos años del Quatroccento es significativa, a su alrededor encontramos diversos santos perfectamente ubicados en el espacio, dotados cada uno de una monumentalidad tipica del maestro. El colorido se ha hecho muy vivo, abundan los rojos, reforzado por el empleo de una luz clara y un cielo azulado como fondo. El punto de vista bajo que aporta grandiosidad a los personajes es un recurso muy apreciado por Mantegna que se repite a lo largo de su carrera. Andrea Mantegna

24. Madonna con niño Jesús Obra pictórica del Renacimiento italiano. Mantegna elaboró esta obra sobre madera usando pintura de temple. Obra del renacimiento italiano donde vemos como la mano de Mantegna traza con sutileza la figura de la Madonna, que con pose solemne aguanta a su hijo sobre sus rodillas. Nos encontramos una estampa llena de colores vivos como los rojos y los azules, que son acompañados por los dorados de los adornos de la escena y las túnicas de los angelitos que rodean a la virgen. Andrea Mantegna

25. Piero Della Francesca Nacido en Italia hacia 1416 hasta 1491, tuvo un gran conocimiento de la pintura florentina debido a la influencia que recivio durante los años que pasó allí. Tras realizar varios frescos, Piero Della Francesca comienza a trabajar en el coro de San Francisco de Arezzo donde dejó uno de sus mejores legados, un magnífico ciclo sobre la Vera Cruz. Algunas de sus obras más famosas son Bautismo de Cristo, Madonna de parto, la Flagelación de Cristo, la Magdalena o Sacra conversacion. Madonna del parto La Magdalena Natividad

26. Madonna de parto Pintura el fresco de 1455 con unas dimensiones de 260X 203 cm. Fue pintada para decorar la iglesia de Santa María de Momentana. Usó los colores de primera elección entre los cuales destaca una notable cantidad de precioso azul ultramar obtenido por el lapisazulí. El fresco estaba destinado a la pared del fondo del altar mayor de la antigua iglesia de Santa María de Momentana en Silvis, localidad rural en las laderas de la colina de Monterchi. La iglesia sufrió una completa destrucciónen el año 1785 como consecuencia de un terremoto, quedando sólo en pie el muro y su fresco, milagrosamente intacto se convirtió en un lugar de peregrinaciónregular para las mujeres a punto de parir. Piero della Francesca

27. La Magdalena Obra de 1460. Con unas medidas de 190X 105 cm. Se encuentra actualmente en la catedral de San Donato. La figura de la Magdalena se encuentra insertada en una arcada decorada con motivos vegetales de la nave izquierda de la iglesia; la referencia a su persona viene dado por la mano izquierda, que tiene un vasito de cristal para ungüentos, que, segúnel Evangelio, sirvieron para limpiar los pies de Jesucristo. En este objeto de cristal se acentúael juego de los efectos de la refracciónde la luz. Tal cuadro representa la fase de madurez del pintor Piero della Francesca, donde se reúnen el uso de colores luminosos para amplias superficies, la minuciosidad y el uso siempre muy conveniente de la luz. Piero della Francesca

28. Natividad Obra realizada entre 1460-1475. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres. Fue realizada en temple sobre tabla y tiene unas medidas de 124 X 123 cm. Una composición equilibrada y con ritmos fijo de figuras. Se compone de tres grupos, por un lado y en primer plano la virgen con el niño, en segundo termino y a su derecha, un grupo de mujeres cantándole al niño, y por último en tercer plano los pastores con José. Los colores usados dan gran perspectiva a la obra, ya que todo lo relacionado con el tercer término se encuentra en ocre, los del segundo término en tonos azules apagados y la Virgen con el niño, en azules intensos, acercándonosla más al espectador. Piero della Francesca

29. Botticelli Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli, (1444-1510), es uno de los más prolíferos pintores del renacimiento cuatrocentista. Desde pequeño fue aprendiz de grandes maestros, y a esto se debe que sus cuadros comiencen siendo pinturas contorneadas y débiles contrastes, a una pintura viva, con agilidad de movimientos y de colores, y fuertes atisbos de religiosidad. Algunas de sus obras más importantes son Virgen, niño y ángel, Virgen del libro, Anunciación, El nacimiento de Venus, La primavera. Virgen, niño y ángel Virgen del libro Anunciación

30. Virgen. Niño y ángel Pintura realizada en temple sobre tabla, durante los años 1465 y 1467. Se nos presenta en una dimensiones de 87X 60 cm. Es posible que esta pintura un tanto sorprendente de la Virgen se produjera mientras Botticelli estaba trabajando en el taller de su maestro, Filippo Lippi. La inspiracióninicial para la pintura vino de la famosa Madonna de este. Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura arqueada que enmarca las cabezas de madre e hijo y enfatiza las dos figuras principales como el centro de la escena devocional. María se sienta en un escabel, del que se muestra un brazo ornamentado y un almohadacon botones. Botticelli

31. Virgen del libro Pintura realizada en temple sobre tabla, en los años 1482, 1482. Se trata de una pintura de 58X 39 cm. Es una obra extremadamente suave y bella, en la que María y el Niñoestánsentados en la esquina de una habitación, enfrente de una ventana. Se ven algunas palabras, mostrando que se trata de un “libro de horas”. Las manos de la madre y del hijo tienen la misma actitud: la derecha abierta en un gesto parecido al de la bendición, y la izquierda cerrada. El Niñomira a su madre mientras ésta, seria, no se sabe si mira al hijo o está absorta en la lectura del libro abierto sobre el que descansa su mano. Botticelli

32. Anunciación Obra realizada en temple sobre tabla, en el año 1490, con unas dimensiones de 49 X 58,5 cm. Su datación no es segura; la mayor parte de la crónica la considera juvenil, al apreciar ciertos elementos que recuerdan a Verrochio. Sobre la parte posterior de la tabla hay una nota que señala que provenía de la iglesia florentina de San Bernardo. Se logra el ambiente por la sucesiónde las columnas y de los cuadros del suelo, que sirven tambiénpara evidenciar el esquema perspectivo. Esta solemne arquitectura domina a las figuras. Botticelli

33. Leonardo da Vinci Es uno de los más importantes artistas del renacimiento, destaca por su pintura, su escultura, su arquitectura, fue inventor, teórico, matemático, y un prototipo de hombre renacentista. Italiano de nacimiento, (1452-1519), desde muy pequeño ,mostró una gran habilidad para las artes, durante su juventud ya tenía su propio taller, y recibía grandes encargos. A pesar de ser un prodigio desde sus comienzos, nunca dejó de estudiar, y así lo delata la evolución de sus obras, sus teorías y sus estudios de anatomía. Sus obras más destacadas son La Gioconda, La última cena, La virgen de la roca, Hombre de Vitruvio o la Virgen, el niño Jesús y Santa Ana. La Gioconda(Obra analizada) La Virgen de las rocas La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana

34. La Virgen de las rocas Pintura realizada en óleo sobre lienzo, durante los años 1483, 1486, con unas dimensiones de 199 X 122cm. La Virgen está sentada en el suelo de una espelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las másfamosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. Leonardo da Vinci

35. La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana Obra realizada en óleo sobre tabla, con unas dimensiones de 168 X 130. Su datación la sitúa en los años 1510, 1513. Se trata de una composición triangular donde Santa Ana en el último término aguanta en sus rodillas a María que se agacha para coger al niño que se encuentra en el primer termino jugando con un animalito. El fondo de esta composición está algo influido por la Virgen de las rocas, ya que en el fondo vemos escarpadas montañas que crean un tremendo espacio. El esfumato cada vez está más mejorado y la técnica es un prodigio para la pintura. Leonardo da Vinci

36. Raphael Sanccio Nación en Italia (1483-1520), fue un renacentista prodigioso en la pintura y en la arquitectura, con gran influencia florentina, muestra una gran calidad en sus figuras. Desde su juventud gran parte de sus obras eran diseñadas por él, pero ejecutadas por su taller. Su primera obra de la que poseemos una documentación cierta, es de el Retablo de Barona. Fue muy influenciado por el arte florentino, respetando la evolución del suyo propio. Perfeccionó la técnica del esfumato creada por Leonardo da Vinci. Las composiciones de Raphael son consideradas verdaderas joyas, siendo un referente para la formación académica. Podríamos nombrar como algunas de sus obras más destacadas, La formarina, retrato de Baltasar Ramenghi, Madonna de Granduca, retrato del Cardenal, la Fornarina o la ninfa Galatea. Madonna sixtina Madonna de Granduca La Fornarina

37. Madonna sixtina Esta obra está realizada en óleo sobre lienzo con unas medidas de 265 X 196cm. La datamos de 1513, 1514. Se trata de una composición triangular, donde la virgen de pié en el último plano pero como protagonista de la escena y con su hijo Jesús en brazos, camina hacia delante pasando por unas cortinas de tela que cierran la escena. En el plano se encuadran seis personajes, dos agelotes, San Sixto, Santa Barbara, La Virgen y el niño, flotando sobre nubes que nos sitúa la escena en un limbo celestial. Raphael

38. Madonna del Granduca Imagen que actualmente se encuentra en el Palacio Pitti. Creada en el año 1505. Se realizó en óleo sobre tabla en unas dimensiones de 84 X 55. Nos encontramos con una composición centrada y vertical. La Virgen María se encuentra de pie con su hijo en brazos. La pose y al actitud de su cara nos hace suponer que estuviese enseñando a su hijo. Las dos figuras se encuentran con aureolas, signos de divinidad. Los colores que lleva la Virgen, son símbolos de fidelidad y pasión. Una característica que podemos destacar de particular de la obra, es el color dorado de los cabellos de los dos personajes, que nos hacen verlos un poco más angelicales. Raphael

39. La Fornarina Obra realizada en temple sobre tabla con unas medidas de 85X 60 cm. Es datada sobre los años 1518, 1519. Se trata de un retrato de lo que se considera la amante de Raphael. Vemos a una joven medio desnuda, con la piel tersa y exhibiendo libremente sus pechos. Nos mira con ojos llenos de juventud, y con su mano izquierda nos señala su punto de fuerza. Se encuentra en lo que puede ser un jardín ya que de fondo tenemos una multitud de plantas. Compositívamente hablando, es una pintura centrada, bien proporcionada y con mucha estaticidad, donde los colores no predominan ni destacan unos sobre otros. Raphael

40. Gerard David Nació en Oudewater en 1460, y en 1523 fallece en Brujas. Fue pintor flamenco dentro de un estilo gótico. Destaca por su brillante color. Formó parte del gremio de pintores de su ciudad natal, lo que le dió una gran influencia por parte de compañeros de gremio. Su obra tiene un carácter naturalista y volumétrico dentro de la planicie, alargamiento y simplicidad de las figuras dentro del estilo gótico. Algunas de sus obras que podríamos destacar son Transfiguración, Descanso de la Virgen en la huida de Egipto, retablo del Bautismo de Cristo, La Virgen con el niño dándole papilla, Descendimiento de la cruz o los Despropósitos de Santa Catalina. Descanso de la Virgen en la huida de Egipto La Virgen con el niño dándole papilla Los despropósitos de Santa Catalina

41. Descanso en la huida de Egipto Se trata de una imagen realizada en la primera década de 1500, a unas dimensiones de 45 X 44,5cm. Se uso la técnica del óleo sobre tabla. Vemos como en la figura de la Virgen, ésta aparece vestida con un traje azul representativo de la pureza y la fidelidad. Se encuentra sentada sosteniendo en sus piernas a su hijo, mientras que en segundo plano su marido, José, se encarga de recolectar comida. Se ve un principio de ese arte flamenco lleno de profundidad que el autor irá puliendo con la experiencia. Gerard David

42. La Virgen con el niño dándole la papilla Óleo sobre tabla de la primera década de 1500. Con unas dimensiones de 35 X 29cm. En esta obra Gerard David nos muestra como la virgen da de comer a su hijo con actitud relajada y amable, mientras que el niño juega con la cuchara que sostiene en la mano. Esa influencia flamenca que arrastra Gerard David se ve en la perspectiva de lo muebles del fondo, en el paisaje que se observa por la ventana y por supuesto en la delicadeza y naturalidad con que trata las figuras. La Virgen aparece, como en casi todos sus cuadros, de azul, esta vez más oscuro, pero igualmente símbolo de pureza. Gerard David

43. Los despropósitos de Santa Catalina Pintura realizada alrededor de 1507, en óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 104 x 144cm. En este caso el cuadro que presentamos es algo más complejo, pero igualmente con la Virgen como protagonista de la escena, una Virgen que sostiene a su hijo en sus piernas mientras que acerca su mano a la figura de su derecha. En este caso la escena tiene una perspectiva dada por las líneas de la solería del suelo y el fondo de la imagen. Como volvemos a ver, Gerard David opta de nuevo por el color azul para el traje de la Virgen. Gerard David

44. Miguel Ángel Es uno de los más grandes artistas tanto en pintura como en escultura y en arquitectura. Nace en Caprese 1475 y muere en Roma en 1564. Se caracteriza por la perfección. Sentía predilección por las escultura y la pintura, su obra pictórica más relevante es la pintura de la Capilla Sixtina. Sus obras se caracterizan por el naturalismo perfeccionado, cuidadosos estudios previos y una gran precisión en el dibujo. Algunas de sus obras más destacadas son Vista de Florencia, La familia Sagrada, Retrato de Lorenzo el magnifico, Creación de Eva, El papa Julio II, o Madonna de Manchester. La Sagrada Familia Creación de Eva Madonna de Manchester

45. La familia sagrada Pintura renacentista de 1504, realizada en óleo sobre madera. Se trata de un tondo de 120cm de diámetro. Actualmente se encuentra en la galería Uffizi. El tondo se compone por tres figuras principales, la virgen, el niño y José. Se sitúan en el centro de la imagen debido al formato redondo del soporte. La virgen viste en colores suaves como son el azul para la parte inferior y rosa para la parte superior. La escena se desarrolla posiblemente en el limbo, debido a las figuras que vemos en el fondo. Se trata de una composición muy equilibrada pero a la vez muy ágil y dinámica, ya que el instante que estamos viendo, el niño, pasa de las manos de su padre a las de su madre, mientras esta se retuerce para cogerlo con cariño. Miguel Ángel

46. Creación de Eva Obra que realiza el artista en los años 1509, 1510. Se trata de un fresco de la capilla Sixtina. En la escena vemos como nace la mujer del costado del hombre, como Dios le indica que se levante, y como Eva, nace y vive de Adán. Los cuerpos desnudos están tratados con gran maestría y las cuervas de estos crean unos estudiados claroscuros que dan gran vida a la obra. Miguel Ángel

47. Madonna de Manchester Se trata de una obra de óleo sobre tabla de 1497, de unas dimensiones de 105 x 76cm. En este caso la escena nos muestra la Virgen rodeada de angelotes y querubines que en un campo leen entretenidamente. Los ropajes de los personajes son de un rosa brillante pero a la vez celestial. La obra se compone con todos los personajes en la derecha de ésta y mientras que la Virgen se nos presenta sentada, los demás se mantienen de pie entretenidos. Miguel Ángel

48. Tintoretto Último gran pintor del renacimiento italiano, nativo de Venecia 1518, 1594. Se considera un precursor del arte barroco por su fuerza en la pincelada, la dramática perspectiva y los especiales efectos de luz. Sus trabajos más famosos son relacionados con la vida de la Virgen y de Cristo. Algunas de sus obras más reconocidas son Marcos iliberando al exclavo, Cristo en el lago tiberiades, Susana y los viejos, la ultima cena, Venus Vulcano y Marte, o Baco y Ariadna. Susana y los viejos Baco y Ariadna Venus, Vulcano y Marte

49. Susana y los viejos Obra de óleo sobre lienzo, de 155, de unas dimensiones de 147 x 194 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del prado. Es una obra algo dramática, en la que vemos como Susana se desnuda y mantiene una posición insinuante al mirarse al espejo, un anciano asoma la cabeza tras los matorrales para observarla. La composición de la escena es equilibrada, a la derecha tenemos a Susana y a la izquierda al anciano. Quedando todo dentro de una misma atmósfera debido a los colores usados por el artista, donde vemos un toque de tenebrismo y altos contrastes de luz. Tintoretto

50. Baco y Ariadna Cuadro de 1576, realizado en óleo sobre lienzo de 60 x 50. Se trata de una pintura con unos tonos muy sutíles, donde los contrastes son reducidos pero bien colocados. Nos atrae la limpieza de los cuerpos que parecen de inspiración griega. Se nos presenta una composición bastante dinámica en la que los cuerpos se retuercen para llegar a su destino, en la que cada movimiento tiene un comienzo y un desenlace. La luz es uno de los factores más llamativos de la obra, y como incide en el torso de Baco nos envuelve y nos involucra plenamente en la obra. Tintoretto