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El teatro barroco español es el teatro que se desarrolló en España durante las últimas décadas del siglo XVI, el siglo XVII y parte del siglo XVIII. Es conocido también como teatro del Siglo de Oro, por corresponder, en el aspecto teatral, al momento cultural conocido como Siglo de Oro español, o teatro clásico español, por tratarse, según la opinión generalizada, del momento álgido de la dramaturgia española. El teatro barroco supone el inicio en España de un tipo de teatro comercial: por primera vez el teatro se realiza en locales cerrados, los corrales de comedias, a los que se accede mediante el pago de una entrada, se estabiliza un sistema de compañías profesionales de teatro, los dramaturgos venden sus obras a los directores de compañía, etc. Introducción
Recogiendo los diversos elementos de la dramaturgia del siglo XVI, y con el precedente de la escuela valenciana, Lope de Vega es el autor que elabora la fórmula dramática que triunfará en el escenario de los corrales, la llamada «comedia nueva» o «tragicomedia», marcando el camino por el que irá el grueso de la dramaturgia del siglo XVII. El éxito y la fama de Lope fueron inmensos. De ello dio testimonio Miguel de Cervantes, en el prólogo a sus Ocho comedias y entremeses nuevos nunca representados, donde se lamenta de que su teatro no fuese del gusto de los directores de comedias, debido a que el éxito de Lope había cambiado las preferencias del público. La fórmula dramática lopesca, si bien recogía ingredientes de las prácticas teatrales que le precedieron, suponía una apuesta original y que rompía en gran manera con la preceptiva teatral clásica, por lo que sufrió ataques frecuentes desde las instancias cultas. Entre los cultos, las concepciones sobre el teatro seguían dependiendo en gran medida de las indicaciones de la Poética de Aristóteles, y, sobre todo, de lasreelaboraciones que de este texto habían hecho los preceptistas del Renacimiento italiano La comedia nueva lopesca
A la hora de fijar la evolución histórica de la comedia nueva o teatro barroco español, la crítica tradicional trabajó fundamentalmente con el concepto de ciclo: se dividía a los distintos autores en función de su cercanía cronológica y estilística con los dos dramaturgos mayores del siglo, Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca. Así, se habla tradicionalmente de un ciclo de Lope, caracterizado por una mayor espontaneidad y libertad, seguido de un ciclo de Calderón cuyas características serían una mayor estilización y complejidad, tanto en el lenguaje como en la construcción de la trama. Los principales dramaturgos de cada ciclo son: -Ciclo de Lope: Lope de Vega, Guillén de Castro, Mira de Amescua, Vélez de Guevara, Ruiz de Alarcón. Tirso de Molina, debido a su fuerte personalidad propia se suele considerar aparte, si bien relacionado con el ciclo de Lope. -Ciclo de Calderón: Calderón, Agustín Moreto, Francisco Rojas Zorrilla, Antonio de Solís o Bances Candamo. Evolución del teatro neoclásico
El teatro barroco supuso el inicio en España de un teatro comercial gracias fundamentalmente al establecimiento de los corrales de comedias como infraestructuras permanentes para las representaciones teatrales. Con anterioridad, las representaciones solían hacerse en espacios escénicos efímeros (calles o plazas en el caso del teatro popular, salones de palacios en el caso del teatro cortesano, etc.). Este proceso de nacimiento del teatro comercial está en relación, en toda Europa, con el surgimiento de las cofradías dedicadas a la beneficencia y al auxilio de los necesitados: para desempeñar su labor pedían a los ayuntamientos que les permitieran organizar activiades teatrales de manera estable, con las cuales financiarse. Para que ello fuera posible, era necesario un local teatral estable y cerrado, única manera de poder cobrar una entrada, lo cual supuso el principio de la explotación comercial del teatro. También era necesaria la profesionalización de la figura del actor, que había comenzado con Lope de Rueda. Un teatro comercial: el sistema de corrales
“Comedia” era el nombre que adoptaba cualquier obra teatral en el siglo XVII, a pesar de que no se ajustara al concepto clásico de este género. Fue Lope de Vega el creador de la “comedia nueva” o "comedia nacional", fórmula teatral de gran éxito, pues consiguió sintonizar plenamente con el gusto del púbico. En el Arte nuevo de hacer comedias (1609) expone Lope sus características, que se mantuvieron hasta bien entrado el siglo XVIII. La comedia nueva
Variedad temática: La comedia nacional extrae sus asuntos de la literatura (clásica, medieval o contemporánea), de la historia, del folklore... y muestra la extraordinaria capacidad de dramatización de los autores del XVII. Sus principales temas son: el sentimiento del amor, la defensa del honor y de la honra, la exaltación de la monarquía y del catolicismo (el teatro barroco ejerce una función propagandística para mantener el orden social). Rechazo de las “tres unidades” (lugar, tiempo y acción): Respecto al lugar, introduce numerosos escenarios que aportan vistosidad y dinamismo; en cuanto al tiempo, lo alarga Lope todo lo que le conviene. La unidad de acción es la más respetada, aunque en general junto a la acción principal se desarrolla otra secundaria. División de la obra en tres actos o “jornadas”, en lugar de los cinco de la literatura clásica, en función de la intriga. Por lo general, los actos corresponden a la exposición, nudo y desenlace del argumento, aunque Lope aconseja que hasta la mitad del tercer acto “apenas juzgue nadie en lo que para”, es decir, que no se pueda prever el final. El primer acto suele comenzar de forma abrupta para captar la atención del espectador desde el primer momento Principales rasgos de la nueva fórmula teatral creada por Lope:
Polimetría y variedad estrófica: exclusivamente escrita en verso, predominan en la comedia octosílabos y endecasílabos, si bien se incluyen otros metros; en cuanto a las estrofas, se utilizan preferentemente: romances, redondillas, cuartetos, décimas, sonetos... Para Lope cada situación exigía un tipo de estrofa. Lírica intercalada: cancioncillas y bailes interrumpen el curso de la acción principal y añaden espectacularidad a la representación. Mezcla de lo trágico y lo cómico, porque así ocurre en la vida cotidiana, con ello pretende dar verosimilitud a la obra. Decoro poético: consiste en la adecuación entre el tipo de personaje y su forma de hablar y de comportarse. Mezcla de personajes nobles y plebeyos, en la comedia debe haber variedad, al igual que en la vida. Creación de personajes-tipo, el autor barroco no suele profundizar en el estudio psicológico de sus personajes. Principales rasgos de la nueva fórmula teatral creada por Lope:
El rey: representa el poder, la prudencia, en los conflictos sociales restablece el orden y apoya la justicia. Si es joven, debido a su inexperiencia e impulsividad, puede mostrarse soberbio e incluso injusto. El poderoso (noble, capitán, comendador...), orgulloso de su linaje, actúa como antagonista, abusa de su poder, es malvado y tirano. Sobre él recae el castigo del rey que imparte justicia o bien son sus vasallos que se vengan de él. El caballero o hidalgo: aparece como padre, hermano o esposo y vela por el honor familiar. El galán y la dama: normalmente protagonistas de la obra, son una pareja de jóvenes enamorados pertenecientes a un mismo grupo social; en general, el galán es un caballero idealista, apuesto, generoso y valiente; la dama es bella y apasionada, con astucia logra vencer los obstáculos que se interponen entre ella y su enamorado. Personajes
Principales rasgos de la nueva fórmula teatral creada por Lope: • Decoro poético: consiste en la adecuación entre el tipo de personaje y su forma de hablar y de comportarse. • Mezcla de personajes nobles y plebeyos, en la comedia debe haber variedad, al igual que en la vida. • Creación de personajes-tipo, el autor barroco no suele profundizar en el estudio psicológico de sus personajes.
El gracioso y la criada: la figura del gracioso es característica del teatro barroco, suele ser el criado del galán, así como su amigo y confidente. Como contrapunto del galán, es cobarde y materialista. Su ingenio, su sentido del humor suavizan las escenas más tensas y, en ocasiones, da muestras de gran cordura y sensatez. A menudo vive una historia amorosa, paralela a la del galán, con la criada de la dama. El villano: alcanza gran importancia en el teatro barroco, es un campesino rico, cristiano viejo, que se caracteriza por su sentido de la honra. Cuando el poderoso comete alguna injusticia contra él, se rebela y defiende sus derechos. Personajes
El teatro español se asienta sobre esquemas morales e intelectuales fijos de la ideología de la época. Los pilares básicos son: -el amor como ocupación y justificación universal. -el honor como razón de ser -la defensa de la monarquía y la fe católica Ideología
Drama del poder injusto: un número importante de obras tratan del abuso de poder por parte de un noble como es el caso de peribañez y el comendador de Ocaña. Cuando un noble ejerce injustamente el poder, el villano impulsado por su conciencia y dignidad personal, acude al rey para que se castigue o corrobore la venganza Drama de honor: la época de Lope se regia por una gran cantidad de normas sociales. Además del honor de casa persona, que era algo íntimo e interior, tenía gran importancia el concepto de honra, que dependía de la opinión de la sociedad. El conflicto dramático surge en el alma del personaje entre su ser individual y su ser social. Lope de vega convirtió en uno de los mas poderosos móviles de sus comedias los temas de honor, con plena conciencia de si eficacia dramática. Dramas de amor: Junto con le honor el amor es el otro móvil básico que anima a los peonajes y que con mas regularidad apareced en las comedias. Consecuencia inevitable del amor son los celos, que se utilizan como recurso para provocar tensión y prolongar la complicación de l intriga. Amor honor y celos son valores humanos tan preciados que justifican los mayores sacrificios, con riesgos incluso La obra de Lope de Vega
Gabriel Téllez, Tirso de Molina, fue fraile mercedario y ocupó un lugar destacado dentro de la orden. Su actividad como autor de comedias le provocó diversos problemas con la Junta de Reformación de Costumbres, a cargo del conde-duque de Olivares. Residió en diversos lugares de España y fue lector de Teología en Santo Domingo entre 1616 y 1618. Algunos de los rasgos de la producción teatral de Tirso de Molina, como las preocupaciones morales, el estilo más elaborado o la mayor complejidad de las comedias, lo aproximan al teatro de Calderón. Su producción dramática se distingue, especialmente, por una mayor profundidad psicológica de los personajes. En concreto, destacan en sus comedias las figuras femeninas, que adquieren fuerte carácter: ellas mismas ejecutan la venganza y afirman su personalidad en la obra, para lo que se emplea a menudo el recurso del disfraz. Las comedias de Tirso presentan un juego de apariencias y engaños que se resuelve de forma repentina, feliz y pacífica. El teatro de Tirso de Molina se puede clasificar en tres grandes grupos: el teatro religioso, el de inspiración histórica y el costumbrista. Pero, además de estos grupos principales, Tirso de Molina también cultiva géneros menores, como el entremés o el auto sacramental. Tirso de Molina
