El cine de Hollywood en los tiempos clásicos (1910-1960)

1. El cine deHollywooden los tiempos clásicos(1910-1960) • El nacimiento de Hollywood • Los Nickelodeon. La guerra de las patentes. • El Trust Edison (1907-1918). • Los exhibidores independientes emigran hacia California y fundan Hollywood en torno a 1910. • Razones de la fundación de Hollywood: • Alejarse de la presión del Trust Edison. • Beneficiarse de las concesiones baratas de terrenos para situar los estudios. • El clima californiano permite dedicar más tiempo a los rodajes de películas (hay más horas de luz al año). • Existencia de mano de obra barata. • ¿Quiénes fundan Hollywood? • Carl Laemmle (fundará la Universal) • William Fox (fundará los studios 20th Century Fox) • Zukor y Jesse Lasky (fundarán la Paramount)

2. Star system“Los actores célebres hacen espectáculos célebres” • El cine clásico de Hollywood (1910-1960) tiene uno de sus pilares fundamentales en el sistema de estrellas: Es necesario crear estrellas para atraer público a las salas. • La creación de la estrella se apoya en una importante campaña publicitaria a través de diferentes vehículos de comunicación: revistas, club de fans, etc... • “La estrella es el producto de una dialéctica de la personalidad: un actor impone su personalidad a sus héroes y sus héroes imponen su personalidad al actor. De esta sobreimpresión nace un ser mixto: la estrella” • El tratamiento de la estrella en las películas clásicas debe someterse a unos principios:

3. Studio System • La estrella de la película debe ser inmediatamente reconocida como tal. • El personaje interpretado por la estrella debe mantener al principio de la película algo de indefinición o misterio que se irá aclarando a lo largo del filme. • Por principio, la estrella debe aparecer lo antes posible, pero es necesario escoger el momento justo en que más resalte, en que sea más cautivadora para el espectador. • Los procedimientos para introducir una estrella varían dependiendo de su carácter, papel y género de la película. • En muchos casos, se opta por retrasar la aparición de la estrella para provocar en el espectador una especie de “necesidad”, de deseo. • Los estudios aspiran a controlar toda la cadena de distribución del filme: de la producción a la venta de palomitas en las salas. • Los estudios llevan a cabo una política muy férrea de “fichajes” de directores, actores, guionistas, etc... • Los estudios imponen una serie de normas de lo que debe ser una película de éxito. • Rasgos de género. • Apoyadas en un texto literario. • Basado en el lucimiento de la “estrella”. • Código de autocensura. • Final feliz.

4. Rasgos narrativos del cine clásicode Hollywood (I) • La elipsis.- • La elipsis fue un procedimiento narrativo básico de estas películas como consecuencia de las exigencias de economía de recursos y rapidez a la hora de narrar. • Todos los elementos del relato deben contribuir a la comprensión de la historia y a la caracterización de los personajes. • Todos los elementos que no son indispensables deben ser eliminados. • Montaje rápido.- • Desde 1920 se recomienda a los guionistas de Hollywood que • construyan sus historias mediante tomas cortas para así aumentar la emoción del espectador. • Las tomas deben responder, exclusivamente, a tres funciones: • a) Enunciar la cuestión. • b) Retrasar la respuesta. • c) Resolver la cuestión

5. Rasgos narrativos del cine clásicode Hollywood (II) • El suspense.- • La mayoría de las historias narradas en el cine clásico utilizan el suspense, entendido como la creación de incertidumbre en el espectador que se pregunta qué le reserva la historia a continuación. • La regla del deadline (fecha u hora límite fijada por la acción) es muy utilizada por los filmes del período. • El flash-back.- • Fue muy utilizado en el cine de los años 40 y 50. • Puede ser empleado con diferentes funciones: • a) Para analizar la psicología del personaje. • b) Para crear un deadline.

6. Rasgos narrativos del cine clásicode Hollywood (III) • La autocensura.- • Entre 1930 y 1968 las productoras de Hollywood se aplican a sí mismas un código de normas morales que deben cumplir las películas. A este se le llamó Código Hays. • El Happy End.- • El final de una película viene determinado por una serie de factores: • a) El género, que tiene sus imperativos: una comedia musical no puede terminar con un baño de sangre, por ejemplo. • b) El productor, que sabe que con el final de la película se juega parte del éxito. • c) El censor, que exige un final que se adapte a los principios morales vigentes. • d) El espectador, que espera un final acorde con sus expectativas. • El Happy End es un recurso muy poderoso de este tipo de cine, ya que … • a) Impone un fin al relato. • b) Puede poner en entredicho toda la sensación de realismo o verosimilitud.

7. Lo que el viento se llevo. («Frankly my dear, I don't give a damn») • Basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer), rodaje, que duró 140 días, supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica. En el momento de su estreno fue la película más cara y larga que se había rodado. El espectador asiste a la evolución vital de la protagonista, desde su adolescencia hasta su madurez, y a su lucha constante por sobrevivir y conseguir todo lo que se propone. Un personaje lleno de fuerza, ambición, autoestima e incapacidad de sentir miedo que cautiva e imprime ánimos en todo aquel que se acerca a ella.

8. Era una historia magna y el rodaje fue hecho a igual escala. La cinta tiene una duración de cuatro horas (238 minutos).De los tres directores, sólo Victor Fleming aparece en los títulos de crédito. • Mediados del siglo XIX. ScarlettO’Hara (VivienLeigh), una bella joven caprichosa y pasional, vive en una de las grandes mansiones del sur de los Estados Unidos rodeada de esclavos negros y todo tipo de lujos. Lo único que no puede conseguir es a Ashley Wilkes (Leslie Howard), el hombre del que está enamorada y que, a su vez, está comprometido en matrimonio con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una dulce y cariñosa mujer incapaz de odiar. • La Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes sureños muestran su entusiasmo por entrar en combate. No así Rhett Butler (Clark Gable), un hombre atractivo que no tiene más interés que su propio beneficio. Butler se enamora de Scarlett durante una fiesta en los «Doce Robles», la finca de Ashley, y no cesará en su empeño de lograr su amor durante toda la película, a pesar de que Scarlett seguirá obsesionada con Ashley a pesar del paso de los años y de varios matrimonios por interés.

9. La película se ambienta en el sur de los Estados Unidos, en Atlanta, donde aún perduraba la esclavitud y los grandes terratenientes. • Lo que el viento se llevó (Gone with the wind) llegó a rodarse con cinco directores distintos: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Víctor Fleming.

10. Para el incendio en Atlanta se quemaron los decorados del clásico King Kong a modo de edificios ardiendo. • En la escena de la quema de Atlanta, cuando Rhett y Scarlett huyen en un coche de caballos, Scarlett lleva la cara tapada porque esa actriz no era realmente Vivien Leigh. Llevaban tanto tiempo buscando a la actriz principal que decidieron empezar a rodar alguna escena sin ella.

11. Clark Gable no quería aparecer llorando en la escena en que Melanie le consuela tras el aborto de Scarlett porque consideraba que era poco masculino. El director intentó por todos los medios de convencerle sin éxito, finalmente Olivia de Havilland (Melanie Hamilton) le convenció para rodar una toma con él llorando. Clark vio que las lágrimas estaban justificadas en esa escena y accedió a que se incluyera.

12. Casablanca • Casablanca es una película estadounidense de 1942, dirigida por Michael Curtiz. Protagonizada por Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, ConradVeidt, Sydney Greenstreet y Peter Lorre en los papeles principales. • Su genero es drama romance y guerra. Narra una historia de amor durante la guerra en una ciudad marroquí

13. Basada en la obra teatral Todos vienen al Café de Rick (Everybody Comes toRick's) de Murray Burnett y Joan Alison.(nunca fue puesta en escena). • La película se rodó completamente en estudios, excepto una secuencia en la que se muestra la llegada del mayor Strasser, que se realizó en el Aeropuerto Van Nuys. • La escenografía de la calle que fue usada para las escenas del exterior había sido recientemente construida para otro filme, The Desert Song,y tuvo que ser re decorada para los flashbacks de París.

14. El set para el Café de Rick fue construido en tres partes inconexas, por lo que no se podría determinar en trazado lo que sería su planta. • El fondo de la escena final, el cual muestra un avión pequeño modelo L-12 Electra Junior de la compañía Lockheed con personal caminando alrededor, fue armado usando extras de baja estatura y un avión de cartón dibujado a escala. • Se usó humo, simulando neblina, para cubrir la apariencia poco convincente del modelo.

15. Ingrid fue fotografiada casi siempre en su perfil izquierdo, perfil preferido por la propia actriz, y en muchas ocasiones se aplicaba un filtro suavizador de tipo gaussiano y con catch lights para hacer que sus ojos destellaran. Estos efectos fueron diseñados para proporcionar a su rostro una apariencia «triste, tierna y nostálgica». • Se aprecian además barras de sombras cruzándose con los personajes y con el fondo. Dichas sombras, según cada caso, poseen distintos significados: algunos muestran símbolos de encarcelamiento, el crucifijo, el símbolo de la Francia Libre y hasta confusión emocional.

16. Incidencia en otras obras • Pasaje para Marsella, la película reúne a Bogart, Rains, Curtiz, Greenstreet y Lorre en 1944. • Steven Soderbergh rinde homenaje a Casablanca con El buen alemán, un filme en blanco y negro que se ubica en el Berlín de la postguerra. La película finaliza con una escena entre dos viejos amantes (interpretados por George Clooney y Cate Blanchett) en un aeropuerto. El poster de la película es una imitación del de Casablanca. • En televisión, Casablanca misma forma parte central del desarrollo de la película de ciencia ficción para televisión titulada Overdrawn at the Memory Bank (de 1983). Algo similar sucede en la película distópicaBrazil (de 1985). • En la serie estadounidense House M.D. una conversación que mantiene House con una de sus pacientes que estaba enamorada de él, en el segundo capítulo de la tercera temporada, es prácticamente la misma que tuvieron Rick e Ilsa al final de la película.

17. Breakfast at Tiffany's • Dirección: Blake Edwards • Guión : George Axelrod (Novela: Truman Capote) • Música: Henry Mancini • Fotografía: Franz Planer • Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, Mickey Rooney, José Luis de Vilallonga, John McGiver • Productora: Paramount Pictures Breakfast at Tiffany's es una película estadounidense de 1961, dirigida por Blake Edwards Protagonizada por Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Martin Balsam, Mickey Rooney, John McGiver. Basada en la novela del mismo título de Truman Capote.

18. Narra la historia de HollyGolightly es una bella joven de la alta sociedad neoyorquina que bajo su vida alegre esconde una gran tristeza. Holly tiene un comportamiento algo alocado, y alguna manía, como por ejemplo desayunar contemplando el escaparate de la lujosa joyería Tiffanys. Un día se muda a su mismo edificio Paul Varjak, un escritor en ciernes que mientras espera alcanzar un éxito que nunca llega, vive de la relación con una mujer madura que le mantiene. Holly y Paul enseguida iniciarán una bonita amistad.

19. Mítica historia de amor ambientada en Nueva York de los años 50s-60s que marcó varias generaciones. Muchas de sus imágenes así como su banda sonora forman ya parte de la historia del cine.

20. Debido a la guerra de 1939 la moda sufrió varios cambios. El traje de dos piezas y la sencillez de los materiales representaron la pobreza del viejo continente, que ocultó la escasez con recursos que desataron toda la creatividad en peinados, maquillaje y atuendos como guantes, pañuelos y bolsillos falsos en las chaquetas.